PPS Danse proposera un peu partout au Québec une série de représentations de son nouveau spectacle Perles, à compter du 17 novembre. Les artistes monteront notamment sur les planches du Théâtre Maisonneuve de la Place des arts à Montréal, le 24 novembre.

Perles

Ce projet de PPS Danse réunit sur scène danseurs, musiciens et chanteurs. Il s’inscrit dans une volonté de tisser des liens entre les disciplines artistiques et d’y intégrer plusieurs signatures chorégraphiques. C’est un fin travail de croisements, de recoupements et de regards multiples convergeant vers une narration qui dit notre monde en évoquant les thèmes de l’amour, de l’identité et du territoire à différentes époques. 

Le spectacle propose un récit non linéaire à travers le temps, les mots et les musiques qui marquent notre société. Ce voyage convoque la danse et la musique à se rencontrer en différents lieux, pour faire résonner quelques perles du répertoire de la chanson québécoise, des années 1960 à aujourd’hui.

Des pièces telles que Le tour de l’île de Félix Leclerc, La scène de Claude Léveillée, Señorita de Richard Desjardins côtoient Nameless de Dominique Fils-Aimé, Câlisse-moi là de Lisa LeBlanc, Ton vieux nom d’Elisapie, Fleuve No 1 de Flore Laurentienne ou encore Tmrw. de Milk & Bone.

L’idéateur Pierre-Paul Savoie (décédé le 31 janvier 2021) et le directeur artistique David Rancourt ont imaginé, ensemble, le processus de création du spectacle. Ils ont notamment réfléchi aux artistes qu’ils aimeraient rassembler dans le projet tout en écoutant des heures de musique afin de sélectionner les morceaux les plus pertinents. Ils se devaient de déterminer le potentiel chorégraphique d’une musique, d’une chanson. Parce que même s’ils souhaitaient célébrer et honorer les artistes qui ont donné vie à ces œuvres en premier lieu, Pierre-Paul et David ont demandé à d’autres artistes de se les approprier pour en offrir une mouture dansante. Ce sont dix chorégraphes qui mettent en scène la vingtaine de chansons qui composent le spectacle. 

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« Je me souviens d’un temps d’attente à l’aéroport, entre deux vols d’avion, où Pierre-Paul me confiait qu’il souhaitait célébrer le répertoire musical québécois pour le prochain spectacle grand public de PPS Danse. Tranquillement, je l’ai vu en discuter aussi avec d’autres artistes. Une équipe se construisait, en sourdine… Perles, c’est le spectacle de la passation. »
                                                                                                                                            – David Rancourt

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Les artisans

Une quinzaine d’artisans ont participé à cette œuvre. Chez les danseurs : Alexandre Carlos, Marilyne Cyr, Roxane Duchesne-Roy, Sara Harton, David Rancourt et Marcio Vinicius Paulino Silveira. Du côté des chanteurs, on retrouve Biä, Roxane Filion, Sébastien Lacombe et JP Loignon. Alexis Dumais (direction musicale et piano), Sheila Hannigan (violoncelle), Vanessa Marcoux (violon) et Madeleine Messier (violon) interpréteront quant à eux la musique des différents morceaux. 

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« Ils permettront aux spectateurs d’apprécier concrètement et créativement les fruits de la rencontre entre les disciplines et les œuvres. C’était un fort moteur de création pour Pierre-Paul qui oriente bien le futur de la compagnie, à la suite de son grand départ. »
                                                                                                                                            – David Rancourt

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PPS Danse

Ouverture, créativité, humanisme, partage et engagement sont le moteur des activités de la compagnie. Celles-ci s’incarnent non seulement dans la production d’œuvres chorégraphiques originales, mais aussi dans l’implication de l’équipe pour la démocratisation de la danse contemporaine.

Le processus de création, qu’il soit dirigé vers les jeunes ou les adultes, s’appuie sur des œuvres majeures du répertoire contemporain en théâtre, littérature et chanson. Cette matière résiste, ouvre des brèches, s’éclate, se transforme par l’intervention du corps et de la danse et devient partie intégrante de la composition chorégraphique et scénique.

Depuis sa fondation en 1989 par le chorégraphe, interprète et metteur en scène Pierre-Paul Savoie, PPS Danse a donc pour mission de se consacrer principalement à la création et à la production d’œuvres s’inscrivant dans le champ de l’interdisciplinarité.

David Rancourt

Natif de Rouyn-Noranda, David Rancourt est établi à Montréal depuis 1999. En vingt ans, le nouveau directeur artistique de la compagnie s’est illustré dans une cinquantaine de productions, parmi lesquelles on retrouve des œuvres phares dans le parcours de certains créateurs, dont bODY_rEMIX/les_vARIATIONS_gOLDBERG (2005) de Marie Chouinard, Anatomies (2006) de José Navas, La marche invisible (2010) d’Annie Gagnon, Danse Lhasa Danse (2012-2020) ainsi que Ravages(2015) et Le cri des méduses (2018) d’Alan Lake.

Désireux que PPS Danse continue d’être un carrefour de rencontres entre artistes, disciplines et publics, David Rancourt espère que sa grande connaissance du milieu pourra faire de lui un directeur artistique rassembleur, capable d’ouverture, d’écoute, de prise de risque et de liberté.

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« À titre de créateur, j’estime que le geste sensible de l’artiste est politique. Je tente d’incarner le changement que j’aimerais voir dans ce monde. »
                                                                                                                                            – David Rancourt

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Les dates de spectacle

2022

17 novembre | Sainte-Geneviève

19 novembre | Longueuil

24 novembre | Montréal

1er décembre | Saint-Jérôme

6 décembre | Québec

7 décembre | Saguenay

10 décembre | Sainte-Agathe
 

2023

27 janvier | Vieux-Terrebonne

28 janvier | Joliette

9 février | Drummondville

11 février | Saint-Jean-sur-Richelieu

15 février | Victoriaville

21 février | Sherbrooke

23 février | Val-d’Or

24 février | Rouyn-Noranda

1er mars | Rimouski

2 mars | Rivière-du-Loup

7 mars | Baie-Comeau

8 mars | Sept-Îles

La metteuse en scène Audrey-Anne Bouchard et son équipe de collaborateurs présentent Camille: The Story pour la toute première fois en anglais au Centre Segal des arts de la scène dès le 21 juin. Créée et diffusée en français au MAI (Montréal, arts interculturels) en septembre 2019, l’expérience pionnière et multisensorielle (Camille: un rendez-vous au-delà du visuel) a fait l’unanimité des publics comme des critiques.  Que raconte le décor lorsqu’il n’est pas vu mais vécu ? Comment le geste est-il perçu lorsqu’il n’est pas regardé mais entendu ? Camille: The Story (Camille : le récit) est un spectacle interdisciplinaire et immersif qui n’implique pas la vue du spectateur mais tous ses autres sens. Dans cette version revisitée de l’œuvre Camille: un rendez-vous au-delà du visuel, le spectateur est invité à s’asseoir sur la scène, au cœur d’une histoire multisensorielle qui raconte une peine d’amitié. Le spectacle est entièrement accessible aux personnes non voyantes, semi-voyantes et voyantes. Cette œuvre inusitée, spécialement conçue pour un public non voyant, propose une nouvelle expérience sensorielle de la danse et du théâtre. La petite jauge de six spectateurs par représentation promet une expérience intime et unique explorant une tout autre manière d’aller à la rencontre de l’autre. À noter que les mesures sanitaires liées à la COVID-19 sont respectées tout au long de la représentation. La distanciation est maintenue et les éléments de décor sont désinfectés entre chaque usage.  ​

« Ce projet est né de l’envie de créer un spectacle accessible de la même manière pour un public non voyant et voyant. L’expérience est interactive : les spectateurs entrent en contact avec leur intérieur et nous entrons en contact avec eux par le biais d’interactions multisensorielles. J’ai eu l’idée car j’ai moi-même un handicap visuel, la maladie de Stargardt et je réalise le grand besoin d’accessibilité dans le domaine des arts vivant. » – Audrey-Anne Bouchard, créatrice et metteuse en scène

Cette œuvre innovante est une création collective développée par  Audrey-Anne Bouchard en collaboration avec Joseph Brown, Marijoe Foucher, Laurence Gagnon Lefebvre, Laurie-Anne Langis et Marc-André Lapointe. L’œuvre est accessible dans son entièreté à des personnes vivant en situation de handicap visuel comme à tout public (12 ans et +). Les spectateurs voyants et semi-voyants pourront s’immerger dans cette expérience multisensorielle révolutionnaire en portant un bandeau sur leurs yeux du début à la fin de la représentation. Les chorégraphes Laurie-Anne Langis et Marijoe Foucher, également massothérapeutes, se sont inspirées des techniques pour guider les personnes vivant en situation de handicap visuel pour développer la chorégraphie de l’œuvre qui explore entre autres le potentiel sonore du mouvement. Coauteur du texte de l’œuvre avec Audrey-Anne Bouchard, l’acteur Marc-André Lapointe joue également le rôle principal de Pierre dans cette magnifique traduction d’Alexis Diamond. Les scénographes Laurence Gagnon Lefebvre et Diana Uribe et les concepteurs sonores Joseph Browne et Rob Denton ont relevé le défi de concevoir les environnements scéniques et sonores de l’œuvre en sachant que ceux-ci seraient entendus, sentis et ressentis sans être vus. Les acteurs Sarah Leblanc-Gosselin, Alexandra Laferrière, Peter Farbridge et Joan Wiecha ont rejoint l’équipe pour cette production en anglais.

Camille: The Story  © David Wong

ÉQUIPE DE CRÉATION

Mise en scène : Audrey-Anne Bouchard Texte : Audrey-Anne Bouchard et Marc-André Lapointe Traduction : Alexis Diamond Chorégraphies : Laurie-Anne Langis et Marijoe Foucher Performeurs-guides : Peter Farbridge, Alexandra Laferrière, Laurie-Anne Langis, Marc-André Lapointe, Sarah Leblanc-Gosselin et Joan Wiecha Scénographie : Laurence Gagnon Lefebvre en collaboration avec Diana Uribe Conception sonore et musique : Joseph Browne en collaboration avec Rob Denton Cette oeuvre inclut des extraits de la pièce musicale Dream 1 (Before the wind blows it all away) par Max Richter Assistance à la mise en scène et régie : Sarah Gagné Direction technique : Étienne Mongrain Vaillancourt Collaboration à la création : Denise Beaudry Mentorat à la mise en scène : Arianna Bardesono Mentorat à l’écriture : Pascal Brullemans et Émilie Martz-Kuhn (CEAD) La traduction de cette œuvre a bénéficié du soutien de Playwrights Workshop Montreal sous la supervision dramaturgique d’Emma Thibaldo

Pendant 72 heures ininterrompues, Invisible active un espace de célébration partagé conviant le public, 9 danseur.euses au jeu, à l’échange et à la connexion. Dans une complicité joyeuse, les spectateur.trices sont appelé.es à vivre et suivre le continuum du temps, aussi bien qu’à contribuer à la transformation de la pièce par diverses interventions.

“ Dans cette proposition, la temporalité devient maître d’œuvre.  Loin d’être un éloge de l’épuisement, cet espace se veut plutôt une traversée qui met à profit la force du groupe pour dépasser des limites et des seuils, qu’ils soient personnels ou collectifs. ” — Aurélie Pedron  

À la lisière de l’installation, de la chorégraphie et de la performance, les œuvres d’Aurélie Pedron s’affranchissent des conventions associées au spectacle. Bien qu’elle en soit l’investigatrice, cette œuvre atemporelle ne peut exister que grâce à la persévérance et au lâcher-prise de ses participant.e.s. Plus de 20 interprètes en ont nourri le processus artistique pendant 5 ans. Leur présence et leur investissement ont permis de mettre en place un mode de fonctionnement simple ayant en son centre l’écoute. Celle-ci agit comme atome névralgique d’une œuvre complexe qui met en évidence l’intelligence du collectif.  

Artistes et collaborateur·rices  

Aurélie Pedron — Direction artistique 

Ariane Boulet, Rachel Harris, Emmanuel Jouthe, Abe Simon Mijnheer, Caroline Namts, Charlie Prince, Luce Lainé, Charles Brécard, Zoë Vos, Silvia Sanchez — Interprétation  

Kévin Pinvidic — Scénographie   

Chantal Labonté, Hugo Dalphond — Conception lumières 

Alexandre Burton — Environnement sonore et interactif  

Kathy Casey — Dramaturgie  

Samuel Thériault — Direction technique 

LAVI – Laboratoire Arts Vivants et Interdisciplinarité, Département de danse de l’UQAM — Partenaires 

Conseil des arts du Canada, Conseil des arts et des lettres du Québec, Conseil des arts de Montréal — Soutiens financiers

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Biographie Aurélie Pedron | Lilith & Cie  

Loin des sentiers battus, Aurélie Pedron s’affranchit des conventions associées au spectacle pour nous inviter à appréhender le réel autrement. À la lisière de l’installation, de la chorégraphie et de la performance, les œuvres hors-normes qu’elle présente dans des lieux atypiques invitent le·la spectateur·rice-participant·e à perdre ses repères pour s’abandonner à l’expérience transformatrice qui lui est offerte. Sensible aux états de métamorphoses rares et précieux qu’offrent à la fois l’art et l’expérience humaine, l’artiste et chorégraphe Aurélie Pedron propose des rencontres toujours renouvelées, qui jouent sur la temporalité et établissent une étroite intimité entre le lieu, le performeur et le spectateur. Troublant nos certitudes, la créatrice tend la main vers l’autre pour laisser en lui une empreinte profonde et durable.

Elle place le·la spectateur·rice comme un·e observateur·rice participant·e avec lequel·le elle cherche à tisser un lien, une relation, même éphémère, qui permet de déjouer ce qu’on croit être le réel et d’évacuer la marchandisation de l’art pour le replacer au cœur des intérêts humains.

D’œuvre en œuvre, elle se consacre à dépouiller les notions préconçues du spectacle, les couches successives qui composent notre perception du monde pour nous amener à questionner la transmission des énergies vivantes et physiques qui nous entourent. Parallèlement, Aurélie mène des projets de recherche et de création avec des personnes marginalisées (problèmes de consommation ou de santé mentale) et des personnes malvoyantes, dans un souci d’inclusion, de partage et d’apprentissage mutuel.

Informations pratiques  

–        Performance de longue durée.  

–        Les spectateur.trices sont invité.es à revenir plusieurs fois pendant la représentation – de jour comme de nuit – pour en constater l’évolution. 

–        Les 9 danseur·ses ne sont pas toujours en action, mais en tout temps il y a au minimum un gardien de la spirale, moteur de l’œuvre. 

LAVI – Laboratoire Arts Vivants et Interdisciplinarité
840 rue Cherrier, Montréal, QC, H2L 1H4

De 17h le 26 mai à 17h le 29 mai  

Achat de billets : offta.com/billetterie/

Bande-annonce : vimeo.com/702050954

En savoir plus : danse-cite.org/saison/invisible

Pour son troisième passage à Danse Danse, Ballet BC réunit dans un même élan généreux de grandes figures chorégraphiques aux signatures inimitables : Medhi Walerski, Crystal Pite, Sharon Eyal et Gai Behar.

Du 1er au 4 décembre, Théâtre Maisonneuve, Place des Arts.

Depuis que Medhi Walerski a repris le flambeau comme directeur artistique en 2020, Ballet BC continue sur sa lancée. Ouverte au meilleur de la danse, cette compagnie de Vancouver avec 13 danseurs de haut vol se révèle des plus enthousiasmantes. GARDEN de Medhi Walerski, un bouquet de musique et de danse inspiré fait merveille, distillant une douce mélancolie. The Statement, savoureux dialogue entre mots et mouvements, est du pur Crystal Pite, un imbroglio inextricable où quatre danseurs, autour d’une grande table, dévoilent rapports de force et jeux de pouvoir. Et enfin, Sharon Eyal et Gai Behar proposent Bedroom Folk, une œuvre intense et minutieusement synchrone, sur les impulsions électroniques répétitives d’Ori Lichtik.

GARDEN 

GARDEN est une œuvre empreinte d’élégance, inspirée Quintette en la mineur op. 14 de Camille Saint-Saëns. À travers une série de duos, d’unissons et de contrepoints, tout en reflétant le dialogue raffiné entre les cordes et le piano, les danseurs façonnent physiquement l’espace d’une manière pure et organique.

The Statement 

Basée sur un scénario écrit par Jonathon Young, The Statement est interprété par quatre danseurs qui partagent une conversation animée autour d’une table de conférence, symbolisant un environnement d’entreprise. Le contrôle, les conflits moraux, la responsabilité et l’incapacité de s’échapper font de The Statement une pièce au réalisme captivant. 

Bedroom Folk 

Devenue un incontournable du répertoire de tournée de Ballet BC à travers le monde, Bedroom Folk est une chorégraphie percutante dans laquelle mouvement, musique et lumière se répondent avec énergie. Dans un espace enivrant vibre un rythme house, sur lequel les danseurs traversent l’œuvre.

Ballet BC

Fondée en 1986 par David Y. H. Lui, Jean Orr et Sheila Begg, avec Annette av Paul comme première directrice artistique, la compagnie est passée sous la direction artistique de Reid Anderson, Patricia Neary et Barry Ingham, puis de John Alleyne pendant 17 ans et Emily Molnar pendant 11 ans. Depuis juillet 2020, c’est Medhi Walerski qui dirige le Ballet BC. Le Ballet BC est une compagnie de ballet contemporain de renommée internationale, basée sur la collaboration et la création. Un chef de file et une ressource dans la création, la production et l’éducation de la danse contemporaine au Canada. Audacieux et innovants, le style et l’approche distinctifs de la compagnie ont apporté une contribution nationale unique et précieuse au développement de la danse. En 2019, la compagnie a été nominée pour le prix Olivier de la meilleure nouvelle production de danse pour sa tournée au Sadler’s Wells de Londres. Les danseurs du Ballet BC sont un groupe d’artistes ouverts d’esprit et curieux, chacun unique pour son mouvement dynamique tout en partageant une passion intuitive pour la danse. Le Ballet BC s’engage à jouer son rôle de leader au sein de la communauté en offrant des possibilités de formation aux danseurs, des activités de sensibilisation de la communauté et du public et des activités de développement professionnel. La compagnie présente un répertoire diversifié d’œuvres canadiennes et internationales de la fin du XXe siècle et du début du XXIe siècle, et est un foyer de création et d’interprétation de nouvelles œuvres. Depuis 2009, Ballet BC a développé un répertoire de plus de 45 nouvelles œuvres de chorégraphes canadiens et internationaux de renom, dont William Forsythe, Cayetano Soto, Sharon Eyal et Gai Behar, Medhi Walerski, Ohad Naharin, Crystal Pite, Johan Inger, Adi Salant, Emanuel Gat et Gustavo Ramirez Sansano, Jacopo Godani, Company 605, Jorma Elo, Wen Wei Wang, Itzik Galili, Serge Bennathan, Walter Matteini, José Navas, Emily Molnar, Lesley Telford, Nicolo Fonte, Fernando Hernando Magadan, Kevin O’Day, Shawn Hounsell, Gioconda Barbuto, Simone Orlando, Robert Glumbek et Aszure Barton, entre autres. Le Ballet BC encourage activement les collaborations qui soutiennent les artistes, les chorégraphes et le public, en repoussant les limites de la danse contemporaine. La compagnie vise l’excellence dans la pratique du ballet contemporain, avec sa grande diversité de techniques et de styles, en honorant ses racines et ses composantes.