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Étiquette : Musique

Metallica Symphonique de retour à Québe

Publié dans Culture.

La formation AnesthesiA et l’Orchestre symphonique de Québec décoifferont une fois de plus les amateurs de heavy métal, le samedi 13 septembre 2025, avec une nouvelle version de leur spectacle Metallica Symphonique présentée au Grand Théâtre de Québec.

Apprêter le légendaire répertoire de Metallica à la sauce symphonique est une formule qui a fait ses preuves au cours des dernières années. Après plus de 10 000 billets vendus à Québec et Trois-Rivières avec une version qui se concentrait sur les cinq premiers albums du célèbre groupe californien, AnesthesiA et l’OSQ, sous la direction d’Olivier Hébert, s’attarderont cette fois-ci aux hits de Metallica parus entre 1983 et 1999.

Dans cette nouvelle mouture, toujours portée par la profondeur de la musique classique et propulsée par les décibels et l’adrénaline du bon vieux rock américain, les producteurs Jonathan Bélanger et Patrick Lessard proposent notamment des titres comme The Memory remains et Ride the lightning et No Leaf clover. Ce dernier titre est d’ailleurs taillé sur mesure pour un accompagnement symphonique, puisqu’il a été pondu dans le cadre de l’album S&M Live (1999), un projet collaboratif entre Metallica et le San Francisco Symphony. 

Mais attention, même si c’est une version revampée qui est proposée aux adeptes, ceux et celles qui refusent de se lasser des chansons qui ont élevé la bande de James Hetfield au rang de légende ne resteront pas sur leur appétit. Car après tout, qu’est-ce que serait un spectacle-hommage à Metallica sans les Enter Sandman, Nothing Else Matters et Master of Puppets de ce monde? 

Les billets pour le spectacle Metallica Symphonique par AnesthesiA du samedi 13 septembre 2025 à 20 h 00 à la salle Louis-Fréchette du Grand Théâtre de Québec sont disponibles ici.

LE GRAND RETOUR DE MICHEL GATIGNOL DU GROUPE MADAME

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Après 23 d’absence télévisuelle, Michel Gatignol a effectué un retour éclatant samedi dernier sur le plateau d’En direct de l’univers, présentée sur Radio-Canada. Le leader du groupe culte Madame a interprété avec aplomb Persona Non Grata, un des succès de son groupe rock qui a marqué les années 80 et 90.

Michel Gatignol était l’une des surprises de Pierre-Yves McSween alors qu’une de ses compositions avait intégré la liste des chansons préférées de l’invité vedette de l’émission. Persona Non Grata, un des extraits de l’album Wéké a été sur tous les palmarès dès sa parution en 1990 avec des fortes rotations dans les radios de partout en province et avec un clip percutant sur les ondes MusiquePlus.

Madame a remporté le Félix de l’Album de l’année en 1988 et 1986 au Gala de l’ADISQ avec les pièces On veut pas payer, Propriétaire ainsi qu’Où est passé Roger? Ce grand retour de Michel Gatignol à la télévision fait suite à la sortie en novembre dernier de Dans La Machine, un premier album solo concocté avec son vieil ami FM Le Sieur, compositeur de musique de films et de séries forts populaires comme Les Bougon, C.A., Menteur, De père en flic, Nitro et, notamment, Mambo Italiano. Dans La Machine, c’est dix pièces solides : textes ironiques et fatalistes, grooves incomparables, variété des atmosphères et des genres, guitares généreuses. Cet album concept propose des chansons façonnées comme des court-métrages.

Depuis la séparation du groupe Madame, Michel Gatignol s’est consacré au théâtre alternatif. Il cofondé Théâtre libre en 1998, une initiative présentée chaque année au Lion d’Or pour permettre à des auteurs, des metteurs en scène et des comédiens de sortir de leurs habitudes. Il a présenté trois spectacles de théâtre au festival FRINGE. Gatignol traduit et adapte des séries et des films pour le Québec et la France. Présentement, il travaille sur l’écriture et la réalisation d’un moyen métrage.

Le jeune chef d’orchestre Francis Choinière lance son premier album solo, Réflexions

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Le jeune chef d’orchestre et compositeur Francis Choinière se dévoile sous un nouveau jour avec la sortie de son premier album solo, Réflexions, disponible le 14 février 2025 sur toutes les plateformes d’écoute en ligne.

Réputé au Québec pour son travail à la tête de l’Orchestre FILMharmonique et de l’Orchestre Philharmonique et Chœur des Mélomanes, Francis Choinière propose une facette plus personnelle de son art à travers cet album de compositions originales pour piano solo.

Réflexions invite les auditeurs à un voyage introspectif, explorant des thèmes tels que la découverte de soi, la transformation et l’émotion. Les cinq pièces pour piano de l’album, empreintes de lyrisme, sont élaborées avec la profondeur expressive qui caractérise la signature artistique du jeune chef.

« J’ai passé une grande partie de ma carrière à interpréter les œuvres d’autres compositeurs, explique Choinière. Chaque morceau trace une ligne entre mon passé et mon présent : certaines mélodies sont issues de mon enfance, que j’ai aujourd’hui retravaillées et développées, tandis que d’autres, plus récentes, capturent mon état d’esprit actuel. Dans un monde où les attentes sont en perpétuelle évolution, créer cette musique m’a permis de me reconnecter à moi-même. »

Le passage de Francis Choinière à la composition solo marque une étape importante dans sa carrière définie par des performances acclamées à travers l’Amérique du Nord. Parmi ses accomplissements notables, on compte son interprétation remarquée des Quatre Saisons de Vivaldi et Piazzolla au célèbre Carnegie Hall de New York, ainsi que la direction de nombreux ciné-concerts et de chefs-d’œuvre symphoniques. Il a également écrit des arrangements orchestraux pour les artistes de renommée internationale, notamment CLANN et Patrick Watson.

Les deux premiers extraits de Réflexions « Coup de foudre » et « Rêverie » sont parus respectivement en octobre et décembre 2024, accompagnés de vidéoclips acoustiques. Avec Réflexions, Francis Choinière célèbre une étape marquante de son parcours et démontre une capacité remarquable à traduire les émotions en musique, offrant une expérience intime pour les auditeurs. Écoutez l’album dès maintenant sur toutes les plateformes d’écoute, sur disque, ou précommandez le vinyle.

L’univers symphonique du cinéma : Ennio Morricone à l’honneur dans une tournée inoubliable!

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L’Orchestre FILMharmonique revient sur scène avec une nouvelle édition de sa série emblématique, L’univers symphonique du cinéma. Cette année, l’orchestre rend hommage au génie musical d’Ennio Morricone, le compositeur légendaire dont les œuvres ont marqué l’histoire du cinéma. 

Après trois concerts très attendus à la Maison symphonique de Montréal les 7 et 8 février, l’orchestre poursuivra sa tournée en offrant deux représentations au Palais Montcalm de Québec le 9 février, avant de clore cette série par un concert à Roy Thomson Hall de Toronto le 14 février. Un voyage sonore inoubliable à travers les plus grandes compositions du maître italien.


Sous la baguette du talentueux Maestro Francis Choinière, l’orchestre et son chœur interpréteront les œuvres les plus emblématiques de M. Morricone : Des mélodies poignantes de Mission aux thèmes inoubliables de Le Bon, la Brute et le Truand, en passant par le romantisme émouvant de Cinema Paradiso. 

Ennio Morricone, compositeur et chef d’orchestre originaire de Rome, est une figure incontournable de la musique de film. Avec plus de 500 partitions pour le cinéma et la télévision, il a marqué l’histoire avec ses mélodies inoubliables. Il est notamment célèbre pour ses collaborations avec le réalisateur Sergio Leone dans le cadre des westerns spaghetti, un genre qu’il a révolutionné grâce à des partitions innovantes et mémorables pour des films comme Il était une fois dans l’Ouest. Lauréat d’un Oscar d’honneur en 2007 pour sa contribution exceptionnelle à l’art cinématographique et d’un Oscar de la meilleure musique originale pour Les Huit Salopards de Quentin Tarantino en 2016, Morricone a su transcender les frontières entre musique classique et populaire, influençant des générations de compositeurs et de cinéastes.

« C’est un véritable privilège de consacrer un concert entier à l’œuvre extraordinaire d’Ennio Morricone, dont les compositions ont laissé une empreinte indélébile sur l’industrie cinématographique. Sa musique est intemporelle, suscitant de profondes émotions auprès des publics de toutes les générations. », souligne Francis Choinière, chef d’orchestre de l’Orchestre FILMharmonique.

La série L’univers symphonique du cinéma de l’Orchestre FILMharmonique est rapidement devenue un favori du public. Au printemps dernier, leur hommage à John Williams a connu un immense succès, avec 8 représentations à guichets fermés à Montréal, Québec, Trois-Rivières et Toronto.

Réunissant les sonorités majestueuses d’un orchestre symphonique et l’émotion pure d’un chœur, cette soirée est une invitation à redécouvrir les chefs-d’œuvre d’Ennio Morricone qui ont marqué le monde de la musique tout comme du cinéma.

Le Quatuor Cobalt dévoile son premier album, Reflets du temps

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Le Quatuor Cobalt, ensemble à cordes montréalais, annonce la sortie de son premier album, Reflets du temps, disponible le 17 janvier 2025, sous le label indépendant canadien GFN Classics. Ce projet unique présente une collection d’œuvres célébrant la diversité du répertoire pour quatuor à cordes avec trois compositrices exceptionnelles méconnues du grand public : Maddalena Laura Lombardini Sirmen, virtuose du XVIIIe siècle, Fanny Hensel Mendelssohn, pionnière romantique et Alicia Terzian, figure marquante de la musique contemporaine.

À travers Reflets du temps, le Quatuor Cobalt invite le public à un voyage riche en nuances, en textures et en émotions, où chaque œuvre révèle l’univers unique de ses créatrices. L’album inclut le Quatuor op. 3 nº 2 en si bémol majeur de Maddalena Laura Lombardini Sirmen, le Quatuor en mi bémol majeur, H.277 de Fanny Hensel Mendelssohn et les Tres Piezas op. 5 d’Alicia Terzian, des œuvres rarement enregistrées, mais d’une grande richesse musicale.

Un premier opus pour un jeune quatuor

Avec ce projet, le Quatuor Cobalt souhaite à la fois interpeller un public de mélomanes avertis, mais aussi le grand public. « Nous croyons que jouer le répertoire sur des instruments d’époque ouvre la voie à un champ d’exploration fascinant. Utiliser les archets et les cordes propres à chaque période nous invite à reconsidérer notre approche, à explorer de nouvelles sonorités et des articulations différentes de celles des instruments modernes », explique le Quatuor Cobalt.

Si cette démarche est aujourd’hui bien établie pour le répertoire baroque, elle reste encore naissante pour le répertoire romantique. Cette volonté de remettre en question les traditions afin de proposer quelque chose de nouveau représente un terrain artistique fertile que le Quatuor Cobalt prend plaisir à explorer.

Une véritable mosaïque musicale

Reflets du temps n’est pas une simple compilation. L’album se distingue par son approche historiquement informée, une démarche qui confère à chaque morceau une sonorité authentique et distinctive. Le Quatuor Cobalt utilise des instruments, des archets et des cordes fidèles aux époques classique, romantique et contemporaine. Cette recherche sonore approfondie permet de plonger les auditeurs dans des atmosphères singulières et de faire revivre chaque œuvre avec une couleur et une intensité propre à chaque période.

Un hommage vibrant à trois compositrices

Le Quatuor Cobalt explore la diversité culturelle de trois époques, tout en valorisant les voix féminines dans le monde de la musique classique. Cet album porte aussi un message de reconnaissance envers ces artistes souvent passées sous le radar de leur temps.

 Sortie de l’album Concerto pour Pipa et Orchestre « Dragon » – Une fusion musicale entre Orient et Occident

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L’Orchestre FILMharmonique annonce la sortie de l’album Concerto pour Pipa et Orchestre « Dragon », disponible dès le 13 décembre sous l’étiquette Canadien GFN Classiques. Premier concerto pour pipa du monde occidental, il est composé par le Québécois Christian Thomas et interprété par la virtuose internationale Liu Fang, sous la direction inspirée de Francis Choinière.

Cet événement unique, à l’occasion de l’année du Dragon, marque une étape pionnière dans le métissage musical en rendant hommage à ce dernier, symbole de force et de protection dans la culture chinoise. L’œuvre, à la fois audacieuse et envoûtante, est une célébration de la rencontre exceptionnelle des traditions orientales et occidentales. 

Le concerto, qui évoque la dualité universelle de bien et de mal, tisse une partition musicale captivante, évoquant le parcours épique d’un jeune dragon : de ses débuts maladroits jusqu’à sa transformation en vénérable empereur du dragon, alors qu’il découvre ses pouvoirs et apprend à protéger son monde et à affronter les forces de l’obscurité.

L’Ensemble Caprice présente le Messie de Haendel : Une tradition des fêtes qui émerveille le monde

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 L’Ensemble Caprice poursuit sa tradition annuelle des fêtes en présentant Le Messie de Haendel, une œuvre intemporelle qui fait vibrer les cœurs à travers le monde depuis près de trois siècles. Ce concert, devenu un rendez-vous incontournable de la saison, aura lieu le samedi 7 décembre à la Salle Raoul-Jobin de Québec et le dimanche 22 décembre à la Maison symphonique de Montréal.

Véritable testament du génie de Haendel, le Messie s’est imposé comme l’un des oratorios les plus célèbres et les plus appréciés du répertoire de la musique classique occidentale. Ce chef-d’œuvre de l’époque baroque est loué pour sa profonde résonance spirituelle, sa facture musicale complexe et sa capacité durable à émouvoir et à élever le public, toutes générations confondues. Sous la direction inspirée du chef d’orchestre Matthias Maute, l’Ensemble Caprice, en collaboration avec l’Ensemble ArtChoral et le Festival Classica, redonnera vie à cette œuvre monumentale.

Le public aura le privilège d’entendre des solistes de renommée : Marianne Lambert (soprano), Rose Nagar-Tremblay (contralto), Emmanuel Hasler (ténor), et Geoffroy Salvas (baryton).

Voilà une occasion unique de vivre la magie de Noël à travers l’œuvre magistrale de Haendel, interprétée par des artistes de classe mondiale.

RAPPELLe Messie de Handel
7 décembre 2024 – 19h30Salle Raoul-Jobin – Québec

22 décembre 2024 – 15h00Maison symphonique – Montréal

Sally Folk : « Party de bureau »

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Revoilà une Sally Folk plus pétillante que jamais! Au détour de sa nouvelle pop enjouée, elle nous donne envie de bouger et de s’évader du quotidien. Avec « Party de bureau, » Sally renoue avec les rythmes des pistes de danse. À l’aube des festivités avec les collègues de boulot, des sorties nocturnes entre copains et copines, elle oublie l’ennui et la grisaille. Voici son mood et sa vibe nightlife : Sally Folk dévoile « Party de bureau.»

« Veux-tu voir mon cadeau?

Je vais chercher ton manteau

Il fait trop chaud- Sortons d’ici

J’ai du boulot pour toi toute la nuit

Tu es sur la piste de danse

‘’Be my, be my baby”

Je sais comment ça va finir

‘’Be my, be my baby”

Quand les belles se déhanchent

‘’Be my, be my baby”

Toi tu peux t’attendre au pire »

Après de nombreuses années de tournée, plus de 250 représentations à travers le Québec et l’Ontario, 20 titres en radio figurant sur ses 5 albums et 1 mini- album (dont un numéro 1 TOP 100 pendant 10 semaines consécutives), de multiples nominations au Gala ADISQ ( en 2014, Sally Folk a été en nomination au Gala de l’ADISQ pour l’Album pop de l’année et la Révélation de l’année; en 2015, elle a été aussi en nomination dans la catégorie de l’Album pop de l’année) et Sirius XM, ainsi que plusieurs performances télévisées, Sally Folk nous invite à son « Party de bureau.

»

« Party de bureau »

Sally Folk : auteure, compositrice,

interprète

Michel Dagenais réalisateur, arrangeur

musical et co-compositeur

Hugo Lévesque : co-auteur

Sally Folk a coréalisé les scènes avec le

coréalisateur et monteur, Julien Gagnon.

STEVE HILL LANCE L’ALBUM HANGING ON A STRING

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Le guitariste et auteur-compositeur-interprète Steve Hill annonce la sortie de son nouvel album Hanging On A String, qui sortira le vendredi 1er novembre 2024 sur toutes les plateformes digitales et support physique (vinyle, CD). La pièce titre de l’album est aussi accompagnée d’un vidéoclip. Cette vidéo a été réalisée par Anik Jean (Les Hommes De Ma Mère récipiendaire du prix du public Michel Coté au Gala Québec cinéma 2024), avec des scènes filmées au Studio 606 à Los Angeles et de l’animation créée par Rodolphe St-Gelais (Nommé au Gala Québec cinéma pour meilleur court métrage d’animation).

L’album commence avec la phrase « Woke up in a house on fire », mais c’est aussi la phrase qui a inspiré tout le projet au départ. Steve venait de terminer une tournée dans l’ouest du Canada et dormait dans le sous-sol d’un ami lorsqu’il s’est réveillé entouré de fumée. Il a alors publié une photo de lui sur ses réseaux sociaux, avec ces mots : Woke up in a house on fire… Son ami Brian Laudenslager, propriétaire de la compagnie de micros Lauten Audio, lui a répondu : « C’est une bonne phrase pour une chanson ». Brian disait à Steve depuis des années qu’il fallait qu’il vienne enregistrer à Los Angeles.

Quelques jours plus tard, Brian avait réservé le Studio 606 des Foo Fighter (oui, celui avec la console Neve classique qui se trouvait autrefois à Sound City) pour enregistrer son prochain album et appelé Darrell Thorpe, ingénieur récompensé 10 fois aux Grammy Awards, pour qu’il soit l’ingénieur de son de l’album. Steve avait alors de 90 jours pour écrire un album et apprendre à le jouer en direct (il enregistre chaque instrument en même temps dans le studio)!

Il s’est envolé en août 2023 pour Los Angeles, et son ami et partenaire de composition Johnny Pilgrim est venu le chercher à l’aéroport. Quelques minutes plus tard, ils ont été percutés par une autre voiture qui avait grillé un feu rouge. C’était son deuxième accident de voiture en moins d’un an, puisqu’il s’était endormi au volant en rentrant d’un concert neuf mois plus tôt, et avait miraculeusement survécu à une énorme collision qui, selon tous les témoins, aurait dû le tuer.Il a fait de son mieux pour enregistrer avec quelques côtes cassées, mais les producteurs ont décidé de reporter l’enregistrement. Il est finalement retourné à 606 en janvier 2024. Il avait 6 jours pour enregistrer l’album et il l’a fait en 5. Il n’y a jamais eu plus de 3 prises et la plupart de ce que vous entendez sont des premières ou deuxièmes prises.

Adolescent, Steve Hill a accompagné certains des plus grands artistes de son Québec natal, puis est devenu artiste solo, auteur, interprète, producteur, multi-instrumentiste et homme-orchestre, et a suivi sa propre voie pendant la majeure partie de sa vie. Cette voie lui a valu des Juno Awards et des Maple Blues Awards, ainsi que des honneurs de la part des plus grands magazines de guitare de la planète.

Après plus de 30 ans de carrière, son dernier album est aussi proche du cœur que possible. Des décennies de dévouement au style de vie d’un musicien en activité l’ont façonné, lui et son art, et le nouveau lot de chansons de Steve est basé sur ses propres succès et échecs et sur les leçons de vie qu’il en a tirées.

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Sainte Marine : Une rencontre immersive avec le passé

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Chants Libres et Oktoecho, en partenariat avec la Société des arts technologiques (SAT), présentent en première l’opéra immersif Sainte Marine, du 9 au 11 novembre prochain à la Satosphère.

Cette œuvre s’inspire de l’histoire fascinante d’une femme moine maronite du 5e siècle, qui a vécu au Liban sous l’apparence d’un homme. Jeune, elle vit au monastère avec son père, en cachant sa féminité et masculinisant son prénom. Elle est un moine exemplaire très appréciée. Au grand étonnement de ses confrères, Marine est accusée d’avoir mis enceinte la fille de l’aubergiste. Elle est expulsée du monastère, avec pour ordre de s’occuper de l’enfant. Après trois ans à vivre d’aumônes et de jeûnes, Marine est réintégrée avec l’enfant à la demande des confrères. Sa véritable identité féminine n’est révélée qu’au moment de sa toilette mortuaire.

Trois créatrices contemporaines – Marie-Annick Béliveau, Katia Makdissi-Warren, et Charlie Poirier-Bouthillette – explorent la rencontre spirituelle et onirique avec Sainte Marine. Ce voyage artistique, sans fil narratif imposé, tisse un dialogue entre les voix du passé et du présent. À travers cette œuvre, elles nous invitent à réfléchir non seulement sur la dévotion et l’amour de cette femme, mais aussi sur la condition féminine à travers les âges. Quinze siècles plus tard, être femme est-il si différent ?

La technologie immersive n’est pas le centre de l’œuvre, mais un outil au service de la narration. Elle permet une rencontre visuelle, sonore et humaine entre interprètes et spectateurs, créant une expérience partagée où la réflexion se mêle à l’émotion.

Quelques hymnes de Saint-Éphrem qu’aurait certainement chantés Sainte Marine sont présents dans l’œuvre. Le reste de la musique, composée par la libano-québécoise Katia Makdissi-Warren, marie instruments traditionnels et contemporains s’inspirant de la musique maronite. À l’époque de sainte Marine, les maronites parlaient le syriaque, la langue de Jésus-Christ. Cette langue est toujours présente dans la liturgie maronite. Le livret de l’opéra est en français et en syriaque, afin d’insuffler à l’œuvre une dimension mystique et sacrée.

Le public est invité à découvrir cette œuvre lyrique unique qui montre la beauté de la culture maronite tout en se questionnant sur la condition féminine et l’identité.