Étiquette : théâtre

Après le succès fulgurant de la pièce primée The Covenant d’Alice Abracen au Centre Segal en 2022, la prochaine production du Théâtre Ouest End est présentée en collaboration avec Tantalus. Revenant avec fracas dans le théâtre même où elle a été présentée dans le cadre de la série Legacy du 50e anniversaire du Théâtre Centaur en 2019, What Rough Beast est la sélection Brave New Looks du Théâtre Centaur pour 2023 ; elle sera présentée du 2 au 11 mars. Il y aura des discussions post-spectacle avec l’équipe.

What Rough Beast est la sélection Brave New Looks du Théâtre Centaur pour 2023 ; elle sera présentée du 2 au 11 mars.

“Regardez-nous. Hurlant à travers le vide. Tu ne veux pas essayer de combler ce fossé ?”—Thomas

What Rough Beast commence lorsqu’un professeur controversé est invité à prendre la parole à une université progressiste, déclenchant une tempête politique et déchirant le campus. Alors que les factions se forment et que la rhétorique s’enflamme, à l’autre bout de la ville un jeune homme se laisse glisser dans le terrier de la radicalisation avec des conséquences dévastatrices.

À travers l’histoire de sept jeunes, cette pièce aborde des questions d’actualité telles que : comment s’engager avec ceux dont les idées nous paraissent détestables ? Que risquons-nous à avoir de l’empathie pour l’autre parti, et comment, ou devrions-nous, essayer de franchir le fossé ? Cette pièce actuelle et stimulante jette un regard neuf et courageux sur certaines des questions les plus brûlantes auxquelles notre ville, notre pays et notre monde sont confrontés, et offre une expérience d’apprentissage théâtral importante et inestimable qui explore le danger de la déshumanisation et les limites de l’empathie et de la tolérance. La pièce contient des thèmes matures et traite de sujets difficiles tels que l’extrémisme, le sectarisme et la violence armée.

“Je vous recommande vivement de venir voir cette jeune dramaturge exceptionnelle, il y a, avec cette production, une grande conversation qui nous attend!” – Eda Holmes, directrice artistique du Théâtre Centaur

“Comment pouvons-nous arrêter de fuir les conversations inconfortables et plutôt les accueillir afin d’encourager un changement plus profond ? Je veux explorer – avec cette incroyable équipe d’artistes – nos sphères publiques et privées pour voir où le véritable changement pourrait vivre.” – Jessica Abdallah, Metteuse en scène

Le spectacle présente Adam Capriolo, Aidan Cottreau, Charlotte Dennis, Rahul Gandhi, Simon Pelletier, Jennifer Roberts et Keren Roberts. 

Diriger l’équipe créative pour la conception des décors et les projections sont potatoCakes_digital, une entreprise primée de conception multimédia et d’intégration technique créée par Emily Soussana et Andrew Scriver. La conception sonore est de Danna-Rae Evasiuk. La conception de l’affiche est de Solène Lautridou ; le dramaturge (École nationale de théâtre du Canada) est Nick Carpenter ; et la régisseuse est Kate Hagemeyer.

Le Théâtre Ouest End vient tout juste de produire The Covenant et Still Got Something to Say: Six Plays On Age. Cette compagnie intergénérationnelle croit que le théâtre existe pour provoquer l’empathie, défier l’apathie et inspirer un changement positif non seulement chez son public, mais aussi chez ses interprètes, son équipe de production et sa communauté. 

Tantalus vise à produire des œuvres qui incitent à la réflexion et qui mettent en lumière des idées sur ce qu’est l’être humain dans le contexte des temps modernes.

What Rough Beast est présenté du 2 au 11 mars, 2023 

Au Théâtre Centaur, 453 St François-Xavier

Soirée d’ouverture est jeudi le 2 mars à 19h30

Pour acheter des billets: billetterie Théâtre Centaur (514) 288-3161; $20-$30

Vendredi 3 mars à 19h30 

Samedi 4 mars à 13h30 et 19h30 

Dimanche 5 mars à 13h30

Mercredi 8 mars à 13h et 19h30

Jeudi 9 mars à 19h30  

Vendredi 10 mars à 19h30

Samedi 11 mars à 13h30 et à 19h30

Les 5 et 8 mars en matinée et le 9 mars en soirée, il y aura des discussions après le spectacle

Vous trouverez de plus amples informations sur le Théâtre Ouest End à l’adresse suivante: www.theatreouestend.ca/about.html
Suivez le Théâtre Ouest End sur Facebook et Instagram

Nelly Arcan était une femme exposée, offerte au regard des autres sans retenue, fragilisée à la fois par l’œil scrutateur des voyeurs  et par sa propre absence de pudeur. En l’espace de huit ans, cette jeune femme a déployé son chant, créé une œuvre et s’est retirée. Juste le temps de poser les bonnes questions. Celles qui dérangent. Celles qui disent la fureur en dedans. Sept femmes, sept « Schtroumpfettes » comme Nelly se plaisait à les appeler, racontent l’effroi de vivre de l’auteure, c’est-à-dire d’habiter un corps de femme. Exposé et convoité. Elles témoignent de ce désir commun d’être LA Schtroumpfette. Unique. Désirée.

La puissance du rythme de l’écriture de Nelly Arcan est saisissante. Avec la volonté de mettre ce rythme en valeur, loin du théâtre psychologique ou du récit biographique, LA FUREUR DE CE QUE JE PENSE propose un collage de ses textes transposés en chants. Neuf chambres sont révélées par des fenêtres-vitrines. Derrière six d’entre elles sont exposées des femmes évoluant dans leur espace privé. À chaque chambre correspond un chant. Chaque chant est l’expression d’une obsession, d’une angoisse ou d’un espoir récurrent dans la pensée et dans l’écriture de Nelly.

Le chant perdu  /  Où il est question de l’errance, de la solitude et de la souffrance Le chant des mirages  /  Où il est question des illusions, de l’image et du corps Le chant occulte  /  Où il est question de la destinée et de la confusion des genres Le chant de l’éther  /  Où il est question du cosmos, des étoiles et de la nature Le chant du sang  /  Où il est question des liens du sang et de la descendance Le chant de l’ombre  /  Où il est question du pouvoir d’attraction de la Mort Le chant des serpents  /  Où il est question de foi et de folie Le chant perdu ou chant du Chœur  /  Dirigé par le personnage du spectre qui s’insinue dans l’intimité des femmes

Née dans les Cantons de l’Est en 1973, Nelly Arcan, de son vrai nom Isabelle Fortier, s’est fait connaître en 2001 avec Putain, un premier roman percutant et dérangeant, dans lequel elle parle de son métier d’escorte. Il sera suivi de deux autres livres, soit Folle (2004) et À ciel ouvert (2007). Le 24 septembre 2009, l’auteure s’est donné la mort dans son appartement du Plateau Mont-Royal. Quelques jours plus tard paraissait Paradis, clef en main. Près de deux ans après sa disparition, son ultime ouvrage, Burqa de chair, est publié et propose des récits inédits, dont La Robe et La Honte. En 2013, pour la deuxième saison de sa résidence d’artiste à ESPACE GO, la comédienne Sophie Cadieux avait souhaité explorer le territoire intime de cette œuvre et faire entendre la pensée de l’auteure autrement que par le spectre de la sexualité spectacle. Pour donner corps aux mots de Nelly Arcan, elle a fait appel à la metteure en scène Marie Brassard.

« L’écriture de Nelly Arcan recèle tant de noirceur qu’il faut souvent quitter le livre des yeux un moment. On se dit mon dieu quelle souffrance, comme cette vision est crue. Et quelle intransigeance, quelle dureté, quelle clarté ils ont ces superbes yeux qui transpercent les autres impitoyablement comme des poignards coupants. Paradoxalement, on éprouve alors de l’affection pour celle qui écrit sans pitié ni compassion. L’élan de cette fureur crachée dans cette parole si dure et vive n’arrive pas à masquer la terreur que cette femme brillante, prisonnière d’une sorte d’état d’effarement ininterrompu, éprouvait face aux injustices de la condition humaine, de la condition féminine, des états amoureux. » – Marie Brassard

Pour LA FUREUR DE CE QUE JE PENSE, Marie Brassard s’est entourée d’une équipe d’artistes multidisciplinaires issus de différents horizons. Celle qui a souvent travaillé avec Robert Lepage (LA TRILOGIE DES DRAGONS, LE POLYGRAPHE, NÔ, LES SEPT BRANCHES DE LA RIVIÈRE OTA, etc.) poursuit sa recherche théâtrale entamée en 2001 alors qu’elle créait son premier spectacle solo, JIMMY, CRÉATURE DE RÊVE. Depuis, cette voix singulière du théâtre contemporain mène, au sein de sa compagnie Infrarouge, ses expériences technologiques et explore les manières possibles d’utiliser le son au théâtre. Ses spectacles, dont VIOLENCE, L’INVISIBLE, MOI QUI ME PARLE À MOI-MÊME DANS LE FUTUR et LA NOIRCEUR, ont été accueillis chaleureusement dans plusieurs villes d’Amérique, d’Europe et d’Australie. Pour Marie Brassard, LA FUREUR DE CE QUE JE PENSE constituait une première invitation à créer un spectacle à l’extérieur de sa compagnie. Depuis, elle a recréé PEEPSHOW (ESPACE GO, 2016) et créé LA VIE UTILE d’Evelyne de la Chenelière (ESPACE GO, 2018) et ECLIPSE (Théâtre de Quat’Sous, 2020).

251 AV. DES PINS O. | MONTRÉAL DU 13 AU 24 SEPTEMBRE 2022, 20H UNE PRODUCTION DU THÉÂTRE À CORPS PERDU Traduit de l’allemand par Silvia Berutti-Ronelt et Jean-Claude Berutti

Texte publié aux éditions Théâtrales, éditeur et agent de l’autriceMise en scène in situ de Geneviève L. Blais Avec Emilie Dionne, Pascal Contamine, Miro Lacasse, Symon Henry et la participation de l’artiste tatoueuse Katakankabin DERNIERS MOTS D’UNE MÈRE À SON ENFANT «Le cœur fait ce qu’il a toujours fait. Il bat. Dans un monde silencieux.» En 2175, suite à une catastrophe climatique sans précédent, la température sur terre atteint 60 degrés Celsius. Les survivants ne peuvent plus affronter le monde extérieur sans vêtements de protection. Leurs apparte- ments sont recouverts de tapisseries à base de peau humaine tatouées pour évoquer des instants de bonheur en plein air, dont l’inspiration est tirée de films rescapés du monde d’avant. L’être humain est devenu incapable de procréer par voie naturelle.Mais une exception confirme la règle : elle s’appelle Pagona et découvre qu’elle est enceinte. Elle n’a passé qu’une nuit avec Posch, le père biologique. Cependant ce n’est pas de lui dont elle est follement éprise. C’est de son protégé, Taschko, qui a subi une agression le laissant grand brûlé, la peau d’une fragilité extrême. Dès leur première rencontre, Pagona et Taschko savent qu’ils ne pourront jamais se toucher. Bien qu’elle n’ait presque aucune chance de survivre à l’accouchement, elle décide de mettre l’enfant au monde. UNE EXPÉRIENCE IMMERSIVE Nostalgie 2175 est un rendez-vous dans un joyau de l’architecture montréalaise. Les mots envoûtants d’Anja Hilling et l’écho d’un orgue, traces d’un amour fou, comme de l’encre sous la peau.Le spectacle est présenté sous forme de déambulatoire. Les lieux ne sont malheureusement pas adaptés aux personnes à mobilité réduite. Les spectateurs seront invités à prendre place sur des assises non conven- tionnelles, notamment sur des tabourets, coussins, bancs d’église, … L’expérience se déroule avec un casque d’écoute, prêté en échange d’une pièce d’identité. BILLETTERIE ET INFORMATIONS EVENTBRITE | www.acorpsperdus.com L’ AUTRICE, ANJA HILLING Née en 1975 à Lingen (Basse-Saxe), Anja Hilling compte parmi les auteurs dramatiques allemands les plus brillants de sa génération. Son œuvre, traduite dans plusieurs langues, connaît un succès public et critique international. Son œuvre abondante connaît un succès public et critique grandissant. Sa première pièce Sterne (2003) lui vaut une invitation au prestigieux Theatertreffen, les Rencontres Théâtrales de Berlin, et le Prix du meilleur espoir de la Dresdner Bank. Mais c’est avec Schwarzes Tier Traurigkeit (Tristesse animal noir, 2007), créé sur les plus grandes scènes étrangères, qu’elle accède véritablement à la reconnaissance internationale. En français, il est notamment créé en 2011 par Julien Gosselin du collectif Si vous pouviez lécher mon cœur à Vanves ; en 2012 par Claude Poissant à l’Espace Go à Montréal ; en 2013 par Stanislas Nordey au Théâtre national de la Colline à Paris, puis a fait l’objet d’une radiodiffusion sur France Culture.Dans des fictions narratives autant que suggestives, elle saisit les préoccupations contemporaines – les thèmes de la faute et de la responsabilité humaine en particulier – et capte l’ordinaire du réel à travers des prismes oniriques d’une profonde poésie: un théâtre d’épidermes écorchés et d’émotions brutes. THÉÂTRE À CORPS PERDUS Depuis 2003, nos créations sont animées d’un désir : «évoquer ce dont on n’ose parler». La création in situ est l’un des pôles de notre démarche, questionnant le rituel théâtral, cherchant à déplacer le spectateur en lui proposant une expérience immersive hors des murs d’un théâtre. Nos spectacles sont des rendez-vous intimes, dans des lieux inusités. L’architecture et l’espace en deviennent la toile de fond, porteurs de sens et chargés d’histoires. Au cours des dernières années, le Théâtre à corps perdus a présenté Intensément Bleu, songe surréaliste présenté dans une piscine à ciel ouvert (2021), Somnambules, déambulatoire à travers une maison d’enfance (2019), Démocratie chez les grenouilles, une fable animalière présentée à Conakry en Guinée (2019), Local / Unit B1717, thriller immersif présenté dans les Mini-Entrepôts Beaumont (2018), ainsi que Himmelweg – chemin du ciel, dans le Ciné-théâtre le Château (2014), et Judith dans le stationnement souterrain du marché Jean-Talon (2011).À corps perdus présente aussi cet automne Rx : CONTES-GOUTTES, en tournée au Québec. Ces consultations poétiques pour spectateur unique ont été créées autour de textes de Martin Bellemare, dans un concept et une mise en scène de Geneviève L. Blais. Des rendez-vous sont notamment prévus aux Escales Fantastiques de Shawiningan, au Festival Québec en toutes lettres, à la Grande Bibliothèque de Montréal ainsi que dans différentes écoles et résidences pour personnes âgées. ÉQUIPE DE CONCEPTION Mise en scène in situ de Geneviève L. Blais Mise en espace | Éric O. Lacroix et Fruzsina Lanyi Costumes et objets | Fruzsina Lanyi Musique | Symon Henry Vidéo | Emmanuel Granger Lumière | Mathieu Marcil Son et régie | Gabrielle Couillard Régie vidéo | Francis Drouin Assistance à la m.e.s. et régie plateau | Sophie St-Pierre Assistance aux costumes | Pénéloppe Dulude-de-Broin Assistance aux objets | Diane Rossi

Le retour sans contraintes du théâtre dans le calendrier culturel québécois a réjoui le public de tout le Québec autant que les artistes et les professionnels des arts de la scène. Pour la première fois dans l’histoire du théâtre d’ici, tous les diffuseurs spécialisés et un grand nombre de diffuseurs pluridisciplinaires, issus de la diversité de la pratique théâtrale québécoise, s’allient pour un but commun : faire rayonner le théâtre.

Afin de contribuer à faire un succès encore plus retentissant de la prochaine rentrée théâtrale aussi inhabituelle qu’historique, le Conseil québécois du théâtre, avec le soutien financier du ministère de la Culture et des Communications du Québec, lance le portail rendezvoustheatre.ca.

Prendre fait et cause pour notre théâtre

Il est indéniable que les arts vivants ont besoin du public et que le public a besoin des arts vivants. Ainsi, accepter le rendez-vous lancé et s’offrir le privilège d’un abonnement s’avère l’une des façons les plus évocatrices d’exprimer son amour pour cet art riche qui fait notre fierté.

Depuis toujours, le milieu théâtral québécois innove et sa nouvelle plateforme est un signe tangible de sa capacité à se réinventer. C’est donc dans un esprit de solidarité et de soutien mutuel que le portail rendezvoustheatre.ca a été créé.

Sur un même site, le public trouvera toute l’offre d’abonnements et de forfaits de théâtre au Québec; l’inscription et l’affichage y sont gratuits pour tous les diffuseurs de théâtre d’ici. Choisir un forfait ou un abonnement à rendezvoustheatre.ca, c’est s’assurer de ne pas manquer l’indispensable rendez-vous de la prochaine saison et de prendre, maintenant, fait et cause pour notre théâtre.

Comment répondre « présent » au rendez-vous?

Pour la toute première fois depuis deux ans, les amateurs de théâtre peuvent enfin acheter des abonnements au théâtre. Choisir un abonnement classique ou un forfait est un merveilleux moyen de profiter pleinement des bienfaits et des plaisirs qu’offrent les arts de la scène. S’engager maintenant, c’est s’assurer de faire partie de rencontres hautes en émotions et de se réserver du temps de qualité dans son horaire, et ce, sur une base régulière.

Sur le site rendezvoustheatre.ca, il est facile de consulter l’offre, de voir tout ce qui se joue et se jouera dans les régions et dans les grands centres : cliquez, commandez et le tour est joué, vous serez au rendez-vous! Il est possible de s’abonner pour la saison 2022-2023 ou de s’offrir des forfaits pour des productions à voir dans les semaines ou les mois à venir.

Anne-Marie Cadieux aussi au rendez-vous
Pour le lancement de rendezvoustheatre.ca, la comédienne Anne-Marie Cadieux agira comme ambassadrice de la campagne et se retrouvera, entre autres, dans des publicités télévisées. Le portail fera aussi l’objet de publicités numériques dans les médias sociaux et ailleurs.

Une campagne conçue par un milieu théâtral plus concerté que jamais

Aujourd’hui, c’est toute la diversité du théâtre québécois qui se réunit et crée une force commune pour promouvoir son art. Un comité consultatif, composé de représentants des différents diffuseurs théâtraux (ADST, TAI, Centre Segal et Les Voyagements – Théâtre de création en tournée), a participé activement au développement de la campagne et du portail. L’équipe du CQT a assuré l’exécution en étroite collaboration avec l’agence Compagnie et Cie.

Le portail rendezvoustheatre.ca est officiellement lancé le 16 mai 2022. N’oubliez pas de réserver dès maintenant des soirées à votre agenda. Avec autant de diversité à votre portée, vous trouverez à coup sûr des spectacles qui sauront vous plaire. C’est un rendez-vous!

Black Theatre Workshop (BTW) est de retour sur les planches avec sa première pièce depuis 2020. Pipeline est une production du BTW coprésentée par La Manufacture dans le cadre de la première collaboration entre le BTW et le Théâtre La Licorne. La pièce à succès off-Broadway a été écrite par la dramaturge primée Dominique Morisseau et est mise en scène par ahdri zhina mandiela. Pipeline est présentée en anglais du 12 au 23 avril et la traduction française par Mishka Lavigne sera interprétée par la même distribution bilingue du 26 avril au 8 mai 2022. Pipeline fait référence au phénomène sociologique décrit comme un cercle vicieux où les jeunes exclus du système scolaire sont rapidement victimes de ce tuyau métaphorique école-prison qui les force à intégrer le système carcéral. Cette pièce soulève des questions sur l’importance de l’éducation, de l’identité et surtout de la parentalité, et aborde le sujet de l’égalité des chances dépendant de la classe sociale et de l’ethnicité. Nya est une mère célibataire qui enseigne dans une école secondaire publique. Enseignante dévouée qui travaille fort pour la réussite de ses élèves, elle est convaincue de l’importance d’une bonne éducation. Malgré des conditions difficiles, Nya s’efforce de faire réussir son fils adolescent, Omari, dans une école privée. La situation s’envenime lorsque Omari se voit impliqué dans un incident grave qui menace son avenir. Pour résoudre le problème, Nya doit trouver un moyen de garder Omari, qui est hors de lui, à l’école et, surtout, de maintenir leur connexion mère-fils. theatrelalicorne.com/pieces/pipeline-version-francaise

« bien que l’histoire de pipeline se déroule dans l’état de new york, la réalité déchirante est que dominique morisseau a habilement conçu une pièce qui explore l’impact émotionnel qui accompagne une expérience mondiale que l’on a laissé se déchaîner et faire des ravages dans la diaspora noire pendant des siècles ! j’espère que cette production, en appliquant son texte original anglais et une traduction française “montréalaise” très réfléchie, apportera au public local l’immédiateté, la proximité et un jeu potentiellement immersif. l’intention est d’ouvrir les yeux et les oreilles afin que nous puissions collectivement et individuellement faire l’expérience du suivi par morisseau de l’appel de sa mère noire au monde… lorsque nya, une mère et enseignante dans une école publique, plaide pour un espace où son fils peut réellement vivre ; lorsqu’elle dit “… n’enfermez pas ce qu’il peut devenir”, elle parle pour des millions de personnes depuis des lustres. chacun d’entre nous est-il prêt à faire sa part pour alléger les pressions institutionnelles que nous alimentons quotidiennement, par inadvertance et délibérément, en ignorant ou en punissant une rage débilitante que nous créons ? !? »  – ahdri zhina mandiela (Metteuse en scène, Pipeline)

DISTRIBUTION + ÉQUIPE

Xavier – Jean Bernard Nya – Jenny Brizard Jasmine – Gloria Mampuya Laurie – Anie Pascale Dun – Schubert Pierre-Louis Omari – Grégory Yves Dramaturge – Dominique Morisseau Metteuse en scène – ahdri zhina mandiela Directrice associée – Tamara Brown Conception des décors et des costumes – Nalo Soyini Bruce Conception de l’éclairage – Tim Rodrigues  Conception sonore – Elena Stoodley Conception vidéo – Potato Cakes Digital

À PROPOS DE LA METTEUSE EN SCÈNE

ahdri zhina mandiela a commencé à travailler sur la scène artistique internationale à la fin des années 70. En tant qu’artiste indépendante et fondatrice / ancienne directrice artistique de b current Performing Arts, elle a encadré / formé / influencé des artistes jeunes et chevronnés, notamment par son travail de développement créatif de scénarios et de pièces de théâtre avec des dramaturges, des artistes de la danse et du théâtre. C’est la première fois qu’elle revient au Black Theatre Workshop depuis la mise en scène de The Mountaintop en 2017. Ses autres crédits de mise en scène comprennent : The Dream Catchers (2017), Who Knew Grannie: A Dub Aria (2010), Obeah Opera Wise.Woman (2008), A Midsummer Night’s Dream (2007) et Tightrope Time(2004), entre autres.

À PROPOS DU BLACK THEATRE WORKSHOP

Black Theatre Workshop (BTW) est la compagnie de théâtre se dédiant à l’œuvre de la communauté noire et diasporique qui a le plus de longévité au Canada. La mission de BTW est de réaliser des pièces de théâtre exceptionnelles et d’en faire la promotion dans le but d’éduquer, de divertir et d’inspirer. La compagnie remet en question le statu quo en créant un espace de dialogue, d’échange et de compréhension transculturels. BTW offre une meilleure représentation des artistes canadiens noirs, tout en encourageant le rapprochement culturel, en unissant les cœurs, les têtes et les communautés. La politique artistique de BTW est de prioriser le développement de pièces de théâtre écrites par des scénaristes afro-canadiens. Les pièces sont toutefois sélectionnées grâce à leur valeur artistique et leur pertinence à la société et à la culture noires. Ceci répond à un besoin grandissant parmi les membres des communautés noires du Canada de se voir représentés dans les histoires qu’ils consomment et au besoin du grand public de mieux comprendre et de participer dans les aspects de la culture noire.

Vision est de retour et l’équipe du Black Theatre Workshop (BTW) est ravie de continuer cette tradition pour une 36e année et une 2e édition virtuelle. La célébration se poursuit alors que la plus ancienne compagnie de théâtre Noire du Canada invite le public à visionner les performances d’artistes émergents et de nouveaux lauréats de prix prestigieux, via les comptes Facebook et YouTubedu BTW le samedi 26 février à 19h30 (HNE). La pandémie a forcé un changement de format, mais l’essence et le but de cet événement bien-aimé demeurent les mêmes – BTW a hâte de célébrer et d’amplifier les voix et histoires Noires en ce Mois de l’histoire des Noirs. Cette année, Vision sera animé par nul autre que Becks Lefranc de BTW. Becks s’est récemment joint à l’équipe du Black Theatre Workshop en tant que liaison scolaire et il est rapidement devenu un membre clé de la famille BTW. Le programme comprend également un message bien spécial du directeur artistique par intérim et ancien président du conseil d’administration, Tyrone Benskin.  Réunissons-nous pour célébrer les lauréats de cette année! Raphaël Joseph est un poète jeune et passionné. Il recevra le prix Victor Phillipspour son incroyable talent, son implication et son bénévolat dans la communauté de Montréal-Nord.     Maryline Chery est une artiste multidisciplinaire avec des succès et des éloges sur la scène théâtrale montréalaise. Diplômée du programme de mentorat artistique (AMP) de BTW (2017-2018), Maryline recevra le prix Gloria Mitchell-Aleong. Parmi les autres artistes, on retrouvera une performance touchante de l’actrice, chanteuse et ancienne du programme AMP (2020-21) Joy  Mwandemange, ainsi qu’un poème de l’ancienne lauréate du prix Gloria Mitchell-Aleong et poète de création orale Roen Higgins. Les téléspectateurs apprécieront également une conversation entre l’artiste multidisciplinaire et contributeur de longue date de BTW, Leon Llewellyn, et l’acteur et ancien du programme AMP (2019-2020) Schubert Pierre-Louis. Ils discuteront de leur cheminement respectif en tant qu’artistes qui ont franchi les portes du Black Theatre Workshop depuis sa création pour Leon et tout récemment pour Schubert. Ne manquez pas Vision 2022 sur Facebook Live et YouTube Premiere le samedi 26 février à 19h30 (HNE) pour les discours d’acceptation et les performances des gagnants. Le public peut également suivre BTW sur Facebook pour les mises à jour de l’événement sur Facebook Live et s’abonner à la chaîne YouTube de BTW tout en activant les notifications afin d’être prévenu de la diffusion du spectacle sur YouTube Premiere.

LA CAMPAGNE DE COLLECTE DE FONDS PHARE DE BTW

Vision est le plus grand événement de collecte de fonds de l’année du Black Theatre Workshop et nous comptons plus que jamais sur le soutien de notre communauté. Black Theatre Workshop, comme de nombreuses autres compagnies de théâtre à travers le Canada, a fait face à des temps incertains pendant la pandémie et a dû pivoter et s’adapter aux défis découlant de l’incapacité de se produire en présentiel. Bien que la compagnie ait eu la chance de continuer à créer du contenu numérique, les dons de supporters sont indispensables aux saisons à venir et ne feront que renforcer l’objectif et la mission de promouvoir et de produire des pièces exceptionnelles qui éduquent, divertissent et inspirent.  Les détails de l’événement et de la collecte de fonds sont disponibles au : www.canadahelps.org/fr/organismesdebienfaisance/black-theatre-workshop/events/2022-vision-celebration

À PROPOS DE BLACK THEATRE WORKSHOP

Black Theatre Workshop (BTW) est la compagnie de théâtre se dédiant à l’œuvre de la communauté noire et diasporique qui a le plus de longévité au Canada. La mission de BTW est de réaliser des pièces de théâtre exceptionnelles et d’en faire la promotion dans le but d’éduquer, de divertir et d’inspirer. La compagnie remet en question le statu quo en créant un espace de dialogue, d’échange et de compréhension transculturels. BTW offre une meilleure représentation des artistes canadiens noirs, tout en encourageant le rapprochement culturel, en unissant les cœurs, les têtes et les communautés. La politique artistique de BTW est de prioriser le développement de pièces de théâtre écrites par des scénaristes afro-canadiens. Les pièces sont toutefois sélectionnées grâce à leur valeur artistique et leur pertinence à la société et à la culture noires. Ceci répond à un besoin grandissant parmi les membres des communautés noires du Canada de se voir représentés dans les histoires qu’ils consomment et au besoin du grand public de mieux comprendre et de participer dans les aspects de la culture noire.

Malgré une saison culturelle 2020-2021 placée sous le signe de l’incertitude, BOUGE DE LÀ est plus que fière d’annoncer sa nomination aux Prix RIDEAU 2022 pour la tournée du spectacle-atelier Kaléidoscope! Avec 101 représentations in situ, l’œuvre qui a été créée en décembre 2020 dans le but de permettre aux enfants de continuer à avoir accès aux arts vivants pendant la pandémie, est en lice pour le Prix RIDEAU Tournée 2022. Les lauréats seront dévoilés à l’occasion du Gala des Prix RIDEAU le 17 mai 2022 au Capitole de Québec.

KALÉIDOSCOPE : LA DANSE, DE LA SCÈNE À LA COUR D’ÉCOLE !

Depuis le début de la pandémie, les écoles ne peuvent plus se déplacer à la salle de spectacle. Qu’à cela ne tienne, Bouge de là se propose d’aller à leur rencontre, dans leur cour d’école, pour leur présenter un spectacle et les faire danser !

Kaléidoscope est une prestation dansée inspirée d’un extrait de l’œuvre À travers mes yeux (2018) mettant en scène quatre interprètes. La performance d’une dizaine de minutes est suivie d’un atelier de danse offert par notre directrice artistique et chorégraphe, Hélène Langevin.

Une proposition artistique colorée et dynamique qui offre aux enfants un accès privilégié à la danse, leur permet de se mettre en mouvement et d’activer leur créativité !

Public : 3 à 10 ans (préscolaire, maternelle, 1er cycle, 2e cycle) Durée : 30 minutes

ÉQUIPE ARTISTIQUE
Chorégraphie et idéation : Hélène Langevin
Distribution originale : Marie-Eve Carrière, Émilie Gratton, Myriam Tremblay et Julie Tymchuk Distribution secondaire : Liliana Argumedo, Madeleine Bellefeuille, Claude Bellemare, Angélique Delorme, Émilie Demers, Emmanuelle Martin, Gaëlle Mong, Chloé Ouellet-Payeur, Selena Russo et Liane Thériault
Costumes : Marilène Bastien
Musique : Bernard Falaise

GALA DES PRIX RIDEAU : LA GRANDE FÊTE DES ARTS DE LA SCÈNE

Présenter les œuvres des créateurs devant le public de tout un territoire et garantir à la populationl’accèsàuneoffreartistiquediversifiéeetdequalité…c’estça,ladiffusion!Etpour y arriver, diffuseurs et artisans du spectacle rivalisent d’imagination et d’audace. RIDEAU leur rend hommage lors du Gala des prix RIDEAU le 17 février 2022 au Capitole de Québec.

PRIX RIDEAU TOURNÉE

Le prix Tournée honore une compagnie artistique, un groupe, un artiste ou un représentant d’artiste pour ses efforts fructueux de promotion et de sensibilisation des publics lors de la réalisation d’une tournée. La tournée doit s’être déroulée dans l’année précédente dans le réseau de RIDEAU. Les finalistes et le lauréat sont déterminés par un jury.

BOUGE DE LÀ

Fondée en 2000 par Hélène Langevin, Bouge de là crée et diffuse des œuvres de danse contemporaine de grande qualité destinées au jeune public et offre à ce dernier une multitude d’activités de médiation culturelle lui permettant d’approfondir la rencontre artistique. La compagnie propose des spectacles empreints d’humour et de poésie qui intègrent diverses disciplines artistiques (vidéo, théâtre, ombres chinoises). On compte huit œuvres à son répertoire, et sa plus récente, À travers mes yeux, s’est vue couronnée du Prix du CALQ | Meilleure œuvre chorégraphique au Québec saison 2018-2019 aux Prix de la danse de Montréal. À ce jour, près de 1 300 représentations de ses pièces ont été données partout au Canada et, plus récemment, en Chine et au Mexique, rejoignant plus de 300 000 jeunes spectateurs. En réponse à la pandémie qui force l’arrêt de ses activités, Bouge de là propose le spectacle- atelier Kaléidoscope, destiné aux cours d’école. Son succès est instantané et permet à Bouge de là de poursuivre à nouveau sa mission avec plus d’une centaine de représentations offertes à ce jour.

Ce printemps, Entr’actes présentera la pièce de théâtre Ailleurs que maintenant, en collaboration avec Québec BD et Les Productions Recto-Verso. À l’affiche du 30 mars au 16 avril à la salle Multi du Complexe Méduse, ce sixième spectacle du volet professionnel d’Entr’actes alliera musique en direct, projection vidéo et bande dessinée pour donner la parole à des personnages marginaux aux identités complexes. 

Ailleurs que maintenant raconte l’histoire de Normand, un être charmant plutôt hors-norme, qui confie au public son désir de partir dans l’espace en réaction au meurtre sordide de son frère. Entouré d’images qu’il dessine pour illustrer sa vie, Normand se bricole une tenue d’astronaute pour fuir l’inévitable chaos de notre monde. L’œuvre incarne plus que jamais la mission d’Entr’actes en abordant le thème de la marginalité et en se nourrissant du métissage social et de l’hybridation des disciplines artistiques. 

« La pièce prend position contre la violence de notre monde et critique le réflexe d’affrontement qui, trop souvent, nous fait combattre le feu par le feu. Elle interroge la nécessité de s’extraire du quotidien pour se construire tel qu’on se rêve et pose un regard empathique sur les êtres différents, marginalisés et fragilisés, qui peinent à trouver leur place dans la mécanique chaotique contemporaine. » – Jean-François F. Lessard, auteur et metteur en scène
 
En développement depuis plus de cinq ans, le spectacle Ailleurs que maintenant s’inscrit en continuité avec la dernière production professionnelle d’Entr’actes, Matéo et la suite du monde (2016). En effet, ayant tous deux été de la distribution de Matéo et la suite du monde, Mathieu Bérubé-Lemay et Julien Fiset-Fradet, deux comédiens formés à Entr’actes, remontent aujourd’hui sur scène pour interpréter à nouveau une pièce écrite et mise en scène par Jean-François F. Lessard. Si Matéo et la suite du monde traitait spécifiquement des enjeux liés au trouble du spectre de l’autisme, Ailleurs que maintenant aborde la marginalité de manière plus large, évoquant l’incapacité qu’ont certaines personnes fragilisées à affronter une réalité trop dure ou qui leur échappe.
 
Présentée sous la forme d’une véritable BD théâtrale, Ailleurs que maintenant aura l’honneur de participer au 35e Festival Québec BD qui se déroulera à Québec tout au long du mois d’avril. Trois résidences de création ont participé à forger cette pièce qui met en valeur les illustrations du bédéiste Guillaume Demers et la musique jouée en direct par l’interprète Stéphane Caron. Aux deux comédiens issus des ateliers de formation d’Entr’actes s’ajoutent quatre autres interprètes provenant du milieu théâtral professionnel de Québec : Charles-Étienne Beaulne, Vincent Champoux, Amélie Laprise et Catherine Simard.
 
À PROPOS D’ENTR’ACTES
 Entr’actes est un organisme culturel inspiré par la grande diversité du genre humain. Depuis 1994, il réalise des projets artistiques impliquant des gens vivant avec des limitations fonctionnelles. Son volet Loisirs offre des ateliers de formation stimulants, rigoureux et accessibles à toute personne handicapée intéressée par les arts de la scène. Son volet Professionnel propose au grand public des spectacles bouleversants et surprenants qui invitent à renouveler le regard que nous posons sur l’art et le « vivre ensemble ».
 
POUR ASSISTER À LA PRODUCTION

Dates : Du 30 mars au 16 avril 2022, du mercredi au samedi, à 19h30
Lieu : Salle Multi du Complexe Méduse (591, rue Saint-Vallier Est, Québec, QC, G1K 3P9)
Durée : 1h45, sans entracte
Tarifs : 25$ (Prévente) / 35$ (Tarif régulier)
Billets en vente via Lepointdevente.com : https://lepointdevente.com/billets/ailleursquemaintenant

 
Pour de plus amples informations, consultez le site internet d’Entr’actes : https://www.entractes.com/index.php/spectacles/a-venir/ailleurs-que-maintenant.html

MARGUERITE : LE FEU est la version scénique d’un projet triade qui se décline en trois formes. Le spectacle est accompagné d’une série balado intitulée Marguerite : la traversée et d’un parcours sonore et performatif dans les lieux de mémoire : Marguerite : la pierre.

Au croisement du théâtre, de la performance et du son, le travail d’Émilie Monnet est le plus souvent présenté sous forme de théâtre interdisciplinaire ou d’installations performatives. Sa démarche artistique privilégie les processus de création collaboratifs et multilinguistiques, et sonde les thèmes de la mémoire, de l’Histoire et de la transformation. Artiste interdisciplinaire engagée, elle fonde en 2011 les Productions Onishka afin de tisser des liens entre artistes de différents peuples autochtones, toutes disciplines confondues. Depuis 2016, elle présente Scène contemporaine autochtone / Indigenous Contemporary Scene, une plateforme nomade pour la diffusion des arts vivants autochtones. Émilie est d’origine anishnaabe/algonquine et française et vit actuellement entre l’Outaouais et Tiohtià:ke / Mooniyaang / Montréal.

Le spectacle MARGUERITE : LE FEU a bénéficié du soutien du programme Territoire/Création (Théâtre de la Ville, Théâtre du Bic et Théâtre Hector-CHarland) et de la résidence d’artiste du Centre du Théâtre d’Aujourd’hui. La production tient à remercier le CEAD, le Salon 58, l’École nationale de théâtre du Canada, tout comme le Théâtre Le Diamant qui lui a offert une résidence technique. Le spectacle est financé par le Fonds national de création du CNA, la Fondation Cole, le Conseil des arts du Canada et le Conseil des arts et des lettres du Québec.

« À chaque automne je brûle. »

– Marguerite Duplessis

“C’est en 1740 qu’a lieu, ici au Québec, le procès de Marguerite Duplessis, jeune femme autochtone qui entame un procès pour revendiquer sa liberté. Achetée pour être revendue, elle doit être embarquée sur-le-champ sur un bateau marchand en direction de la Martinique. C’est la première fois dans l’Histoire de la Nouvelle-France qu’une personne autochtone intente une poursuite judiciaire. Et la première fois aussi qu’une personne mise en esclavage tente de faire reconnaître son droit à la liberté.

Inévitablement, Marguerite perd son procès et est emmenée en Martinique. On ignore ce qui lui arrive par la suite. Habitée par son récit, je suis partie à la recherche de traces de Marguerite deux cent quatre-vingts ans plus tard. J’ai foulé la pierre et la roche volcanique, traversé le fleuve à cet endroit où l’eau douce rencontre le sel, et écouté le vent en Martinique. Je me suis demandé s’il y avait d’autres façons de faire ressurgir les mémoires et remplir les trous de l’Histoire.

C’est le feu de Marguerite qui a inspiré ce spectacle. C’est ce même feu qui brûle chez toutes les Marguerite, celles d’hier et d’aujourd’hui, qui luttent pour faire reconnaître la justice. C’est le feu de la régénération et de la mémoire retrouvée.”

Émilie Monnet
Autrice et metteure en scène
Artiste en résidence au Théâtre ESPACE GO

CRÉDITS

Du 15 mars au 2 avril 2022
MARGUERITE : LE FEU

Texte : Émilie Monnet 

Mise en scène : Émilie Monnet + Angélique Willkie

Avec Aïcha Bastien N’Diaye + Émilie Monnet + Marie-Madeleine Sarr 

Dramaturgie : Marilou Craft
Assistance à la mise en scène : Letícia Dal-Ri Tórgo 
Scénographie : Max-Otto Fauteux 
Lumières : Julie Basse 
Conception vidéo : Caroline Monnet
Conception et mise en espace sonore : Frédéric Auger 
Costumes : Eric Poirier
Musique : Laura Ortman
Coiffures et maquillages : Léonie Lévesque-Robert

Régie de production : Manon Bouchard
Intégration vidéo : Dominique Hawry
Régie son : Annie Préfontaine 
Assistance aux costumes : Danaëlle Lareau
Coach de voix : Marie-Ève Pelletier
Habilleuse : Nicole Langlois
Direction de production – Onishka : Lucie Juneau
Direction technique – Onishka : Daniel Collette
Assistance technique – Onishka : Simon Riverin
Direction de production et de création – ESPACE GO : Suzanne Crocker
Direction technique – ESPACE GO : Alex Gendron

Une création des Productions Onishka, en coproduction avec ESPACE GO

Cet été, la légende prendra vie! Il était une fois où l’histoire allait se répéter sans cesse. Un récit qui résonne depuis très longtemps et qui sera raconté à travers la bouche de ceux qui n’ont pas assez parlé. Une histoire qui a su nourrir le terreau folklorique québécois en y mélangeant faits et fantaisies, jusqu’à en déguiser sa vérité pour en faire  une légende à la fois intrigante et terrifiante : La légende de la Corriveau!  

Ce spectacle enlevant aura la chance d’être présenté au cœur de 3 lieux de diffusion  offrant des conditions de présentation exceptionnelles: le Centre culturel Desjardins de Joliette et le Théâtre le Patriote de Ste-Agathe-des-Monts, qui viennent tout juste d’être rénovés, et l’espace culturel de Victoriaville Le Carré 150, ouvert depuis seulement 2015. 

REVISITER LA LÉGENDE 

Les artistes du Théâtre de l’Oeil Ouvert (TOO) se sont plongés dans la création de cette toute nouvelle production La Corriveau – La soif des corbeaux qui sera présentée aux quatre coins de la province à l’été 2022. Au cœur de cette œuvre théâtrale et musicale, l’une des légendes les plus populaires du folklore québécois sera déterrée et racontée par une journaliste passionnée en quête d’une mystérieuse vérité. Sur scène, des corbeaux assoiffés côtoient les personnages colorés et plus grands que nature de cette histoire véridique encore trop méconnue du grand public!  

La grande question au coeur de l’élan créatif : 

comment cette jeune mère de trente ans s’est transformée en vieille et hideuse sorcière ayant tué sept maris, dont l’esprit revient encore aujourd’hui d’entre les morts pour tourmenter les hommes?  

Voyageant d’une époque à l’autre, au rythme des battements cardiaque de notre héroïne obscure, le public pourra découvrir d’un autre œil, le procès légendaire d’une sorcière et se questionner à savoir si la tendance se maintient… Comme à l’époque de nos grands-parents, qui prenaient un malin plaisir à déformer et à enjoliver les belles histoires du passé qu’ils nous racontaient autour du poêle, les spectateurs auront le même plaisir à se laisser raconter, à travers les multiples tableaux chantés, la légende revisitée de La Corriveau – La soif des corbeaux. 

D’ACTUALITÉ? PLUS QUE JAMAIS! 

Une histoire ancienne qu’il est pertinent de revisiter aujourd’hui, tellement elle reflète certains éléments de notre actualité: violence conjugale, agressions, féminicides et condamnation sur la place publique. Le spectacle se veut toutefois lumineux, ludique et accessible tout en restant profondément ancré et cohérent avec l’aspect tragique du sujet.  

Replongeons un peu dans l’histoire! 

La condamnation de Marie-Josephte Corriveau par une cour martiale britannique en 1763, après un procès dans une langue que l’accusée ne comprend pas, a pour but d’imposer l’ordre et la soumission du peuple conquis, de servir d’exemple. L’exposition en cage du cadavre de la Corriveau ne fait qu’accentuer l’horreur du destin tragique de cette jeune mère qui, juste avant de mourir, avoua avoir tué son mari par légitime défense en raison des mauvais traitements que ce dernier lui faisait subir. Cependant, avec un recul de près de 260 ans d’histoire, on ne peut que déduire que Marie-Josephte était fort probablement une femme victime de violence conjugale ayant voulu mettre un terme à sa souffrance et protéger ses enfants, et faire un parallèle avec plusieurs cas similaires récemment rapportés où l’agresseur a été entièrement disculpé, et les victimes elles, lynchées sur la place publique. 

UN SPECTACLE À COUPER LE SOUFFLE CRÉÉ EN ÉQUIPE! 

C’est donc sous la forme d’une enquête liée à un étrange procès que le public découvrira les nombreuses contradictions, manipulations et distorsions de l’histoire tragique de la Corriveau. C’est à mi-chemin entre l’univers fantastique de la légende et le tragique réalisme de l’anecdote, que jaillira la lumière, l’espoir et la magie pour rendre hommage à toutes celles qui sont venues avant nous; nos mères, nos grands-mères et surtout paver le chemin pour protéger, défendre et inspirer toutes celles qui viendront après. Ce travail colossal d’écriture et de composition donne naissance à une œuvre d’une immense poésie, empreinte de ludisme et de sonorités nouvelles! 

Au Théâtre de l’Oeil Ouvert, la création collective est favorisée! Plusieurs artistes impliqués portent plus d’un chapeau. Le projet, à l’origine porté par les codirecteurs artistiques du TOO, tous deux membres de la distribution du spectacle, Jade Bruneau (Demain matin Montréal m’attend, Les Belles-Sœurs, Grease) et Simon Fréchette-Daoust (L’Auberge du chien noir, Fame, Grease), a tôt fait de gagner une équipe impressionnante, passionnée et multidisciplinaire. C’est à travers l’écriture de deux auteurs que le texte de La Corriveau – la soif des corbeaux, se tricote. Geneviève Beaudet met à profit son écriture slammée, rythmée, chargée et poétique et Félix Léveillé y joint sa plume à la fois romantique, grinçante et sans filtre. Les chansons originales d’Audrey Thériault qui supporteront la trame narrative de l’œuvre seront arrangées par Marc-André Perron et jouées sur scène par trois musiciens multi-instrumentistes.  

Le tout est interprété par une distribution impressionnante; des acteurs de grand talent tels que Jean Maheux (Indéfendable, L’Auberge du chien noir, Les Pays d’en haut, L’homme de la Mancha), Rosalie Bonenfant (Les Parent, 30 vies, Deux hommes en or, Sucré Salé), Renaud Paradis (L’Auberge du chien noir, Chantons sous la pluie, Les parapluies de Cherbourg), Frédérike Bédard (Pied de Poule, 5e rang, Mary Poppins) et bien d’autres ! 

CRÉDITS 

Direction de création et mise en scène JADE BRUNEAU  

Texte et paroles GENEVIÈVE BEAUDET et FÉLIX LÉVEILLÉ 

Paroles et musique AUDREY THÉRIAULT 

Direction musicale et arrangements MARC-ANDRÉ PERRON  

Assistance à la mise en scène et régie LOU ARTEAU et MARILOU HUBERDEAU  

Musiciens MARC-ANDRÉ PERRON, DAVID TÉRRIAULT ET FRANÇOIS MARION 

Décor et costumes ADAM PROVENCHER 

Direction technique et éclairages MAUDE SERRURIER 

Projections vidéo MARC-ANDRÉ PERRON 

Sonorisation MARTIN LESSARD ET PATRICK TOUSIGNANT 

Maquillages VÉRONIQUE ST-GERMAIN 

Coiffures KATHLEEN GRAVEL 

Agence de spectacles MICHELINE BLEAU 

Billets en vente dès maintenant sur le site de LA CORRIVEAU – LA SOIF DES CORBEAUX ou le Théâtre de l’Oeil Ouvert.