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Ça y est ! La nouvelle édition de Star Académie est bel et bien lancée et c’est au son de Changer le monde, la toute nouvelle chanson thème, que les deux premiers Variétés de la saison se sont ouverts. Pour la première fois, c’est à un tandem féminin, à savoir les talentueuses Laurence Nerbonne et Marie-Élaine Thibault, qu’a été confié la création de la chanson thème de l’édition 2022, un hymne rassembleur mettant de l’avant un inspirant message d’espoir et de solidarité. Changer le monde, qui résonne déjà haut et fort dans le cœur de la Nation Star Ac,rappelle que, peu importe les embûches, on ne doit jamais abandonner ses rêves !

« La pièce Changer le monde, je l’ai imaginée avec plusieurs personnes qui la chantent pour que chacun ait sa propre personnalité, sa propre histoire et qu’au final, toutes ces histoires se rassemblent. C’est l’fun de voir des jeunes qui, malgré leurs différences, se retrouvent dans une sorte de communauté en la chantant. Être la première femme à écrire le générique d’une émission épique, grandiose et rassembleuse comme Star Académie, c’est vraiment une grande fierté pour moi. »

– Laurence Nerbonne

Livrée par Audrey-Louise Beauséjour, Olivier Bergeron, Yannick Bissonnette Powell, Julien Charbonneau, Éloi Cummings, Laurie Déchène, Sarah-Maude Desgagné, Marily Dorion, Sandrine Hébert, Gaelle Khoueiry-Jaber, Édouard Lagacé, Krystel Mongeau, Jérémy Plante, Mathieu Rheault et Camélia Zaki, les quinzeAcadémiciens de la cuvée 2022, la pièce Changer le monde est disponible dès maintenant sur l’ensemble des plateformes numériques.  

Ensemble, on pourrait changer le monde

S’inspirer à chaque seconde

C’est un nouveau départ, une nouvelle chance

On pourra chanter ensemble

Nos voix s’unissent et s’assemblent

Prêts à tout pour que demain nous ressemble

CLIQUEZ ICI POUR ÉCOUTER CHANGER LE MONDE

Ne manquez pas le troisième Variété de Star Académie

ce dimanche, 19 h, et La quotidienne du lundi au jeudi, 19 h 30, à TVA et TVA+

Le pianiste français Maxence Cyrin est de retour le 4 février 2022 avec Melancholy Island chez Warner Classics, un septième album composé de neuf titres originaux et deux reprises.

Ces touchantes mélodies, enrichies de subtiles tonalités électroniques, évoquent les thèmes du voyage, de l’exil, de la contemplation et du passage du temps.

Le pianiste dont la célèbre relecture du titre des Pixies Where Is My Mind ? compte plus de 100 millions de streams évoque avec ce nouvel album le thème de la mer (Rivages), des voyages (Faro Bay) et de la fuite du temps (Dust, Seasons, Antica).

Au fil de onze compositions qui alternent des sensations de douce mélancolie, de spleen baudelairien, de paix ou de langueur, et de plus lumineux instants de méditation et de contemplation, Maxence Cyrin nous entraine dans un parcours singulier, mené entre électronique et classique, piano et synthétiseurs. On découvre en clip Rivages, premier extrait de Melancholy Island.

Pour regarder le clip de Rivages :

Aramis, projet électro-pop collaboratif mené par Urhiel Madran-Cyr, nous dévoile aujourd’hui son tout premier album Pour semer la confusion, sous l’étiquette La Shoebox. Aramis a attiré l’attention tant médiatique que de la part du public dans les dernières semaines, avec notamment la sortie de son single Vous (et son vidéoclip), la diffusion récente de la chanson Joues d’hiver à la radio, et la mise en ligne pour écoute exclusive de l’album sur ICI Musique. Ce premier album a été réalisé par Urhiel Madran-Cyr avec l’assistance de Fred Bouchard (Sarah McLachlan, Martha Wainwright), Antoine Gratton  (Catherine Major, Les soeur Boulay) aux arrangements de cordes et vents, Valérie Bellefeuille (piano), Solane Sancho (voix) ainsi que le quatuor à cordes Mommies on the Run (Ariane Moffat, Patrick Watson). Ensemble, ils y créent un nouveau genre, un son ambigu et unique mélangeant le trip-hop, le hip-hop et l’électro, puis les influences française, québécoise, et même cubaine.

Pour semer la confusion est une œuvre imposante, bourrée d’émotions et de dynamiques contrastantes, tout en étant une ode à la musique. À travers cette œuvre, Aramis offre le meilleur et le pire de ce qu’il est et de ce qu’il ressent face à un monde en constante destruction. Il écrit de façon spontanée, réfléchie ou chaotique ce qu’il vit: la solitude, l’amour, sa reconstruction constante face à des déceptions, ses peurs, ses obsessions et ses dépendances. Sur une instrumentalisation riche et atypique viennent s’ajouter les textes honnêtes, vulnérables et libérateurs d’Urhiel Madran-Cyr. Il s’agit pour lui d’un exutoire personnel où les limites et les restrictions créatives n’existent pas. Dans ce premier album, Aramis se présente au public de façon plus personnelle, leur communiquant le fruit de ses réflexions et introspections, tout en jetant un regard critique et engagé sur la masculinité toxique et les standards que nous impose la société.

POUR ÉCOUTER POUR SEMER LA CONFUSION, C’EST ICI!

Avec près de 7 compilations en 13 ans, Early Rush n’est pas à son premier rodéo. En effet, après la sortie de La Chickstape en 2019, EarlyRush, Éditions Double Doseprésente une deuxième compilation d’artistes féminines intitulée « FMC’Z » . En tout, ce sont 10 morceaux de 14 artistes undergrounds tels que C’nee Starlette, Ella Grave, Kella, Kelzk, Lakoche, Sensei H, Sereni-T, et plusieurs autres qu’on retrouve sur ce projet. Cette compil regorge de sonorités variées passant du rap oldschool au newschool. La diversité des artistes et le multilinguisme sont des atouts dans cet opus qui propose des rappeuses connues de certains médias hip-hop et d’autres qui sont à découvrir.

Fondé en 2009 par Melchisedeck Dorceus alias Dada, Early Rush, Éditions Double Dose est une maison de production et d’édition musicale qui a pour but de développer la création de l’auteur, de ses œuvres, ainsi que la promotion de la relève artistique. Sa mission demeure la même depuis le début :  reconnaître et faire découvrir les jeunes talents musicaux urbains de partout en province. Son concept s’inspire de son groupe de rap Levto affilié à Bum Rush lors de son adolescence. Avec l’aide de ses bonnes connaissances telles que Rainmen, Smile Smahh et Filigrann du groupe K6A, Early Rush a travaillé avec plusieurs artistes reconnues dans la scène hip-hop comme Alaclair Ensemble, Ruffneck, C-Drik, Dirty Taz, Nazbrok, Dice B, Cheak13, Dézuets d’Plingrés, Woodman, Jeune Chilly Chill, Freddy Gruesum et plusieurs autres vétérans de la scène underground.

« FMC’Z » est distribué par EarlyRush, Éditions Double Dose/Believe Canada et est actuellement disponible sur toutes les plateformes numériques.

Vestido de Amor, le dixième album studio du Brésilien Chico Cesar, creuse le sujet du panafricanisme, cette fois du point de vue de la diaspora. En 1996, le chanteur, auteur-compositeur né à Catolé do Rocha, dans la zone désertique de l’État du Paraíba, composait Mama Africa, ode à la femme noire, mère célibataire aux pieds calleux et au grand cœur. En 2022, dans ce village global qui est le nôtre et où la question de l’appropriation culturelle se pose avec acuité, il paraît évident que l’Afrique a alimenté tous les courants culturels, mais qu’à son tour elle s’en est nourrie.

Ainsi, Chico César a-t-il invité deux grandes personnalités de la musique africaine à enrichir Vestido de Amor : Salif Keita et Ray Lema

Chico Cesar livre en conséquence un album aux couleurs multiples, du forro nordestin au reggae jamaïcain, de la rumba zaïroise aux langueurs du calypso, du coco des pêcheurs côtiers aux électricités du rock urbain.

Vestido de amor n’en demeure pas moins totalement brésilien

Premier album de Chico Cesar conçu en dehors du Brésil, Vestido de Amor dresse un constat franc et joueur d’un monde métis où danser est toujours possible, surtout quand, au travers de la joie, passent des messages, de paix, de fraternité, mais aussi de lutte, remettant au centre du jeu l’amour et la joie des Nordestins. Produit par Jean Lamoot (Bashung, Salif Keita, Mano Negra), Vestido de Amor (habillé d’amour) a intégré la kora mandingue de Sekou Kouyaté, ou encore la basse percussive du Camerounais Etienne M’Bappé, et si l’amour est un acte révolutionnaire, la musique en fusion de Chico & Co est un trait de grâce.

FRED CHAPELLIER est l’un des premiers noms qui viennent à l’esprit quand on parle de blues en France.  Malgré plus de 20 ans de carrière, plusieurs albums solos et d’innombrables collaborations avec certains des plus grands (Les Vieilles Canailles, Jacques Dutronc, Dutronc & Dutronc …), Fred cherche toujours à se renouveler et à apporter des couleurs nouvelles à sa musique . Chacun de ses disques est unique et toujours ovationné par la presse.

“Straight to the point ” le prochain album sur le label Dixiefrog ne va pas nous contredire . 

“Cette période si particulière m’a fait réfléchir et relativiser un tas de choses. Je me suis dit, terminé le superflu, si ce doit être mon dernier album, je ne veux rien y mettre d’inutile, le mot d’ordre est donc droit à l’essentiel , Straight to the point.”

“J’ai donc passé les 12 derniers mois à écrire, composer, enregistrer et mixer ce nouvel album avec ce seul mot d’ordre: ne garder que l’essentiel . J’ai composé chaque titre avec une spontanéité et une énergie vitale incroyable , tout en ayant tout le temps de parfaitement travailler chaque titre et faire de Straight to the point l’une de mes oeuvres les plus abouties . J’y ai mis tout ce que j’ai en moi, mes joies, mes colères, mes regrets et d’autres sentiments enfouis jusqu’à présent.  Il me ressemble et j’en suis fier “.

FRED CHAPELLIER

Sous le nom de Ghostly Kisses, la popularité de l’auteure-compositrice-interprète Margaux Sauvé dépasse largement les frontières du Québec depuis plusieurs années. Après s’être taillé une place enviable sur la scène musicale mondiale en cumulant plusieurs millions d’écoutes avec ses quatre précédents EP, Ghostly Kisses lance enfin son premier album, Heaven, Wait.

Si ce long-jeu a mis des années avant de voir le jour, c’est que Margaux avait de besoin de ce temps pour y partager le long voyage intensément personnel qu’elle a parcouru au cours des dernières années afin de se sortir complètement de la dépression qui la retenait depuis un bon moment déjà. Un album important pour l’artiste, synonyme de renaissance et de transitions : de l’amitié à l’amour (Heaven, Wait), de la vie à la mort (Your Heart Is Gold), de la solitude à la relation (Heartbeat), de l’enfance à l’âge adulte (Green Book). 

Heaven, Wait marque une autre transition importante pour l’artiste qui pousse encore plus loin sa signature sonore; une pop douce, feutrée, lumineuse, une touche avant-gardiste, qui donne envie d’être écoutée en boucle. Si Heaven, Wait fait effectivement un clin d’œil à ses contemporains comme Billie Eilish et Aurora, mêlant des chansons pop à une production sophistiquée, il n’est pas sans rappeler « Running To The Sea » de Royksopp et London Grammar. 

Ainsi, Margaux Sauvé évolue en tant qu’artiste et ouvre ses possibilités. Aux chansons plus sombres et mélancoliques qui ont fait sa réputation s’ajoutent cette fois quelques chansons libératrices qui invitent à danser. L’entité Ghostly Kisses est de plus en plus ancrée dans un son qui sied parfaitement à sa personnalité artistique, avec cet album marqué de chansons up-tempo, de mélodies accrocheuses, de rythmes dansants électro et minimaliste, d’ambiances éthérées et d’arrangements aux sonorités organiques et recherchées.

Et c’est avec une solide équipe, ses acolytes de longue date, que l’artiste a pu ficeler ce disque ; Louis-Étienne Santais à la composition et la réalisation, Vann Delorey comme co-auteur et Alex Ouzilleau du studio le Magnétophone à l’enregistrement et au mix. Deux autres réalisateurs réputés, Tim Bran (London Grammar, AURORA, Birdy) et Thomas Bartlett (The National, Sufjan Stevens, Florence and the Machine), se sont également ajoutés à la production de l’album.

Enregistrées en grande partie à la maison alors qu’elle et son partenaire Louis-Étienne échangeaient des idées d’une pièce à une autre, les chansons de Ghostly Kisses ont ainsi voyagé jusqu’à New York et de l’autre côté de l’Atlantique au Royaume-Uni pour prendre vie.

Résultat : un son plus mature et abouti, une artiste plus accomplie et confiante, plus douce envers elle-même et en paix avec des événements difficiles de son passé.

LE COLOSSAL TRIO MONTRÉALAIS PRÉSENTE L’ATTENDU ONCE UPON A TIME IN CYBERWORLD, LE TROISIÈME LONG JEU D’UNE CARRIÈRE EN GRANDE FORME. 

Black Tiger Sex Machine relève de l’exception, de l’explosion. Cas tout particulier issu du bassin musical québécois, le groupe connaît en effet un succès hors du commun à l’échelle internationale. D’entrée de jeu, il convient de le dire, de remettre à César ce qui revient à César. Soulignons leur récent concert à guichet fermé au légendaire Red Rocks Amphitheatre le 17 octobre dernier. Un exploit sur la scène musicale planétaire, du jamais vu pour un groupe de Montréal.

Ayant au fil des ans fédéré une fidèle armée de fans — la BTSM Church, comptant à ce jour plus de 264 000 abonnés sur Facebook, 183 000 sur Instagram et 160 000 sur TikTok — aux quatre coins de la planète, le trio s’impose comme l’une des figures de proue de la scène bass et heavy électro mondiale. Par la force de l’expérience musicale, visuelle, sensorielle — immersive — qu’il propose lors de chacune de ses apparitions devant public, le groupe arbore sa musique telle une religion, inclusive et communicative au possible. 

Quelques centaines de concerts dans le casque plus tard — notamment dans le cadre des festivals Lollapalooza Chicago et Paris, EDC Las Vegas, Shambhala, Electric Forest, Osheaga et TomorrowWorld — et après avoir parcouru l’Amérique du Nord, l’Europe, l’Asie et l’Afrique en tournée, Black Tiger Sex Machine pompe l’énergie à la source et revient avec les douze denses plages d’un nouvel album conçu pour électriser. Forgé de concert avec les très suivis Kai Wachi, YOOKiE et WODD, et portant également la griffe de Ryan Perdz, Macntaj, YMIR, Hyro The Hero, Wasiu, Youngr, Alborosie et Dread MC à titre de collaborateurs invités, Once Upon A Time In Cyberworld remplit sa promesse et plus encore. De son ouverture avec l’impétueuse «Trailblazer» jusqu’à «The Devil’s Instrument» avec sa finale décapante à souhait, ce troisième disque complet du groupe exulte l’attitude tout jouant de nuances, et par les temps qui courent, la chose se reçoit comme une remontante offrande. 

« Nous sommes reconnus pour la grandeur de nos concerts et l’expérience cinématographique en symbiose avec notre musique. Once Upon A Time In Cyberworldmarque pour nous un tournant de carrière. C’est la première fois que la création de l’album vient avant la scénographie et le visuel. On a fait appel à plusieurs collaborateurs, il y a beaucoup de vocal, on a pris plus de temps dans l’écriture de chaque pièce. Cet album pourra voyager par delà le concert et avoir une vie indépendante de la scène.» affirme Julien Maranda