Laughing Seabird sort le 28 mai 2021 son deuxième album intitulé The Transformation Place. On savoure sur le disque douze titres arrangés par Emmanuel Heyner entre folk et pop, avec de fortes réminiscences des années 70. Laughing Seabird s’inspire de groupes comme The Beatles, Led Zeppelin, Pink Floyd, Fleetwood Mac, Crosby Stills Nash and Young, Peter Gabriel, Joni Mitchell et Sting. Les origines bretonnes de la chanteuse Céline rajoutent une autre couche d’influences pour une musique complexe à découvrir au plus vite, entre poésie et fantaisie, portée par une voix fascinante et gracieuse.Les mélodies restent imprimées dans l’esprit avec des paroles françaises et anglaises qui envoutent. Après I Feel Fat, Vivre (No Way Back), on découvre le clip de The Transformation Place. Pour ce 3ème volet de la trilogie, le titre éponyme de l’album nous emmène faire un petit tour dans les seventies et offre une bonne dose de psychédélisme pour  nous aider à ouvrir les portes de nos perceptions.Pour regarder et diffuser le clip de The Transformation Place :
https://youtu.be/btKKAA4EZbE

On ne l’attendait pas, Félix Hemmen. On ne l’attendait pas là, en tout cas. Avec un premier EP de chansons entièrement composées et interprétées par lui-même. Depuis plus de quinze ans, au sein de BB Brunes, il est le guitariste qui assure les contre-chants ou les harmonies, rarement l’écriture, et les choses roulent très bien ainsi. Cinq albums, des centaines de concerts, pas l’ombre d’une frustration ni la moindre amertume ne sont venues assombrir la bonne nature de ce garçon chaleureux, ni les amitiés durables du plus précoce des groupes de rock français des années 2000. Aux heures creuses, entre deux disques et tournées, Félix compose pourtant, comme on aménage une chambre à soi à l’écart de la maison commune, et voir si l’envie ou l’occasion viendront un jour d’en entrouvrir la porte. Adrien Gallo l’a devancé dans l’exercice solitaire, et les multiplications n’ont jamais fait des divisions. En septembre 2019 sort Visage, le cinquième BB Brunes, mais le groupe se retrouve vite sur pause, nullement arrêté mais contraint par les circonstances sanitaires à devoir écourter sa tournée. Le moment est cruel, mais il est propice à faire de l’adversité une aubaine, et Félix publie pendant le premier confinement trois morceaux, essentiellement en anglais, présentés sous le nom générique Hemmen.

On y découvre déjà sa belle voix claire et un sens de la mélodie nacrée qui s’accorde à merveille aux arrangements électro-pop où pointent les influences qui sont les siennes depuis toujours, celles des Anglais Depeche Mode et New Order ou des iconoclastes pionniers américains de Devo. Le producteur et réalisateur Jean-Charles Bastion, compositeur de musiques de films (Paris est à nous) et son alter-ego sur ce projet, l’encourage pourtant à poursuivre en français, après une timide tentative sur le titre « Wooden Chair ». Au cours de l’été, quand les fenêtres d’un monde endormi s’ouvrent enfin, Félix en profite pour filer en studio avec Jean-Charles, et entouré de quelques musiciens il enregistre les quatre titres de ce premier véritable EP. L’écriture en français tant redoutée a finalement coulé de source pour ce fan de science-fiction qui vénère 2001, L’Odyssée de l’espace et dévore Isaac Asimov ou Frank Herbert quand il ne s’abandonne par à la poésie humaniste du réalisateur japonais Hayao Miyazaki. L’atmosphère surnaturelle de « Mirage », une histoire de fantôme onirique portée par une grâce aérienne, traduit cette attirance pour les infra-univers propices à l’évasion. Félix Hemmen a passé le cap de la trentaine, il n’en a pas perdu pour autant cette délicatesse juvénile, et à l’image du canadien Andy Shauf ou de l’australien Kevin Parker (Tame Impala), dont il clame l’inspiration, il appartient à cette internationale rêveuse et sensible, capable d’encapsuler le temps d’une chanson autant de fragilité que de force et de dessiner les nouvelles frontières de la pop moderne.

Sur l’essentiellement acoustique « Demi-lune », dans une nuée de vibraphone, de violon et de percussions autour de sa guitare aux légères inflexions brésiliennes, il sait avec tact aborder le thème rebattu de la rupture amoureuse en y associant des sensations, des couleurs et des lieux d’échappatoire avec l’indolence de ceux qui refusent l’apitoiement. Sur « Vraiment vraiment », il a retrouvé sa superbe amoureuse, et avec ce titre résolument up-tempo, le plus électrique du lot, on ne peut s’empêcher de penser à Etienne Daho, modèle ultime de ceux qui ont cherché à harmoniser le français et l’écriture pop anglo-saxonne. Les synthés et les beats électroniques eighties de « Insomnie », par contraste mais sans s’éloigner musicalement de Daho, tracent encore une autre voie dans cette cartographie de l’imaginaire et du sensoriel, avec un vocoder qui vient troubler le chant et la suave quiétude noctambule qui le portait jusque-là. Ces quatre jolis coups qui sont plus que des essais, mais témoignent déjà d’une grande personnalité enfin mise à jour, ne devraient pas rester longtemps sans suite. Un deuxième EP, composé cette fois dans l’isolement total d’une maison à l’écart du monde, viendra bientôt éclairer d’autres facettes de cette histoire déjà éblouissante.

C’est aujourd’hui que le dynamique duo pop MoKa fait son entrée officielle sur la scène musicale en nous présentant son tout premier EP, Première danse, qui est aussi le premier projet des Disques la Shoebox. Les deux musiciennes montréalaises nous plongent dans un univers multicolore aux saveurs estivales et tropicales, à la croisée des chemins entre musique pop, reggae, funk, électro et latine. C’est par l’entremise de ces cinq pièces accrocheuses, joyeuses et funky que le duo propose des textes lucides et critiques vis-à-vis de la société qui les entoure.

“…On est vraiment dans cette fraîcheur, cette pop très dansante…c’est léger, c’est pétillant en bouche, un peu sucré mais parfois un peu plus sérieux quand même…“
– Katerine Verebely, ICI PREMIÈRE – LE 15-18

“…Un premier EP pour ce duo dont vous allez entendre parler assurément longtemps, elles ont des petites sonorités estivales légères, ça fait vraiment du bien à écouter...”
– Sabrina Cournoyer, TVA – SALUT BONJOUR

“...MoKa explore des grooves chaleureux faits de chansons bien ficelées…ce sont les arrangements pop dansants et l’amer, ce sont les paroles qui racontent la vie lucide sans oublier les harmonies chocolatées qui viennent nous marteler par la synergie du duo…Moka offre un EP fait d’électro pop habile et éclatante qui fera résonner l’été aussi longtemps que possible.” 
– Jocelyn Legault, ARP.MÉDIA

MoKa, c’est la rencontre de deux humaines colorées et éclatées, Marie-Anne Tessier et Jeanne Gagnée. Elles se sont connues lors de leurs études en musique au cégep Marie-Victorin et ont évolué dans le milieu musical avant de fonder MoKa en 2018. Inspirées par l’électro tropical européen et le pop québécois, les deux Montréalaises explorent et mélangent différents styles pour créer une musique francophone groovy bien à elles. En apparence sucrées et légères, leurs chansons portent une réflexion amère, un peu comme un café moka… moitié café, moitié chocolat.

À écouter sans modération tout l’été!

Tommy Lunaire présente son premier EP «Until I Melt» sous la bannière du nouveau label montréalais Supersavant. La sortie est accompagnée d’un superbe clip en motion design signé Louis Robert « Hailstorm» est savamment mis en image par le talentueux réalisateur à la réputation internationale. «Until I Melt» est une bande sonore idéale pour accompagner les douces premieres nuits d’été. Le jeune producteur de musique électronique nous offre un mini-album empli de finesse, d’élégance et d’éléments cinématographiques qui mérite un temps de pause.

A travers ces cinq titres, Tommy Lunaire livre un amalgame de textures riches. Misant sur des synthétiseurs et des symphonies rythmiques méditatives «Until I Melt» suscite de somptueux vertiges. Le producteur présente toutes les facettes de sa musique ; de l’introspective et racée «Until I Melt» en ouverture, jusqu’à la plus festive « Topaz » pour se rendre à la complexe et expérimentale « Quazar » qui vient clore cette marche distinguée avec son électro à saveur hiphop lofi. Impressionnant de bout en bout et d’une désarmante agilité, ce premier essaie charmera à coup sûr. 

On dira d’emblée de Tommy Lunaire qu’il est doué. Très doué. Discret aussi. Habitué des studios de production montréalais et compositeur de l’ombre depuis quelques années déjà, il est passé maître dans l’art d’intérioriser l’électronique pour le rendre poignant. Le nom demeure à ce jour relativement inconnu, mais la signature musicale l’est, quant à elle, confortablement moins.

L’autrice-compositrice-interprète en nomination aux prix JUNO, Kandle Osborne lance aujourd’hui son nouvel album Set The Fire. Avec une âme digne d’un âge d’or artistique l’ayant précédée, l’artiste originaire de la Colombie-Britannique prend les rênes de sa carrière tandis que ses ambitieuses visions créatrices se matérialisent, sans compromis. S’étant amorcée l’an dernier lors la sortie du EP Stick Around and Find Out, une transition se concrétise en effet avec Set The Fire, son quatrième album studio et son premier à titre d’artiste indépendante 

Le nouvel album présente un esthétique mi-cabaret, mi-rock’n’roll caractérisant le son que s’est forgé l’artiste. Avec une voix brute et profonde, que l’on a souvent comparée à celles de Shirley Bassey et de Nancy Sinatra, Kandle semble porter en elle la sagesse, mais aussi la tristesse, de plusieurs générations de femmes ayant vécu avant elle. Profondément touchée par l’héritage des poètes et des géants contemporains tels que Nick Cave et Leonard Cohen, elle s’intéresse aux disques qui ont marqué l’histoire du rock et de la pop.

Il aura fallu trois semaines pour compléter la production de Set The Fire et Kandle avoue avoir énormément apprécié le sprint. Aux commandes avec le réalisateur Michael Rendall, qu’elle surnomme son âme soeur musicale, Kandle s’est lancée de manière intensive dans l’expérience. Pendant trois semaines, il n’y avait que la musique, et rien d’autre. Soutenue par Rendall qui a pris ses idées et ses instincts au sérieux, l’encourageant à faire confiance à ses connaissances musicales avérées, Kandle en est venue à donner vie à l’une de ses chansons les plus vulnérables à ce jour. Sous la forme d’une ballade au piano, «Misty Morning» relate le moment où Kandle a connu l’amour pour la première fois. Ayant d’abord voulu se cacher derrière des arrangements costauds pour la livrer, elle y est toutefois allée d’une version dépouillée de tout artifice, laissant toute la place à l’intimité et à ces histoires que l’on ne raconte qu’à soi-même. «I felt like just a body since the age of 17», chante-elle, désarmante. La chanson dépeint ce qu’est l’apprentissage de l’amour, celui d’aimer et d’être aimée en retour, malgré les travers et les échecs. «Comme artiste, les hommes ont cette idée de moi… Ils croient que je suis cette rockeuse puissante et sexy. Souvent, quand je dévoile ma vulnérabilité et mes failles, quand je deviens une «vraie» personne, les problèmes surviennent. «Misty Morning» parle de quelqu’un qui est resté à mes côtés malgré les temps durs, et de mon étonnement devant le fait qu’un autre humain puisse m’aimer en dépit de tout». 

Ailleurs sur l’album, on retrouve la pièce «Honey Trap» — où l’on peut entendre les choeurs de Louise Burns, Debra-Jean Creelman (Mother Mother) et Kendel Carson (Alan Doyle) —, qui traite d’une relation toxique, de sa reconnaissance jusqu’au moment où l’on reprend enfin le contrôle. Sur un fond de guitares sulvotées et saturées, la voix de Kandle se fait défiante et livre habilement son message. Vient finalement la sombre «Vampire», qui clôture l’album avec un clin d’oeil au swing des années 60. « I may be deadly but I won’t let you down». 

Set The Fire se veut la trace du voyage menant Kandle à la rencontre d’elle-même, à travers la redécouverte de ses forces innées et de ses capacités. C’est aussi le portrait d’une personne, à découvert, qui apprend à se faire confiance. Et entendre le tout fait résolument du bien à l’âme. 

Jonathan Roy présente aujourd’hui son nouveau EP intitulé My Lullaby. L’auteur-compositeur-interprète s’autoproduit pour la première fois et confirme sa nouvelle identité musicale. Enregistré à Los Angeles, Vancouver et Montréal, ce mini-album traite de sujets sérieux sur une musique qui prend ses racines dans la voie personnelle et intègre que Jonathan a choisi de suivre. Parmi les sept chansons, on compte notamment les succès Keeping me alive, Lost et Lights of Los Angeles. 

UN RETOUR À LA SOURCE

My Lullaby est nédurant une période de remise en question et marque un nouveau chapitre dans la vie de Jonathan Roy. Il avoue que cet épisode lui a servi de tremplin pour retrouver la sérénité et revenir à la source. L’artiste fait ainsi son introspection, et affiche son honnêteté et une vulnérabilité désarmante dans le choix de ses textes. Un bon exemple : Keeping Me Alive, premier titre qu’il a écrit avec ses nouveaux collaborateurs, Brian Howes (Hedley, Mother Mother, Boys Like Girls) et Jay Van Poederooyen (Faber Drive, Airbourne), et qui a été un véritable succès. Le vidéoclip poursuit d’ailleurs son ascension et vient de dépasser les 56 millions de visionnements sur YouTube! Cette chanson résume parfaitement son expérience, qu’il qualifie de salvatrice. Mentionnons aussi la collaboration de Marc Béland, avec qui l’artiste a co-écrit quatre chansons de l’album.

« J’ai écrit cet EP dans une période assez difficile de ma vie, et ça m’a allumé; j’ai réalisé à quel point la musique me rend heureux. Je me suis demandé si je devais continuer ou arrêter. Il m’a fallu quitter ma zone de confort, acheter une camionnette (et vivre dedans) pour me retrouver. Mes chansons reflètent cela – et aussi ce besoin que j’avais de me réénergiser. » – Jonathan Roy

UNE NOUVELLE APPROCHE MUSICALE

S’inspirant de son entourage, de son parcours et de ses voyages, il nous présente un album « un peu sombre, mais rempli d’espoir ». Des paroles résilientes et motivantes : c’est ce qu’il avait envie d’offrir au public. En prenant également un virage plus alternatif que la pop qu’on lui connaît, l’artiste qualifie son nouveau projet de « berceuse réconfortante ». C’est le symbole du cheminement qu’il a fait dans sa vie artistique, mais aussi dans sa vie personnelle. Que ce soit avec des thèmes comme la détresse psychologique (Lost, Lights of Los Angeles), les remises en question (Keeping me Alive, Walk out on me) ou les hauts et les bas des relations (I hate that I love you, Leaving with your heart), le fil conducteur de ce nouvel opus reste sa détermination à surmonter désormais les obstacles quoiqu’il arrive. 

Entouré de musiciens talentueux et de collaborateurs talentueux à l’écriture et à la réalisation, Jonathan Roy livre une véritable ode à la rédemption avec My Lullaby. L’album est disponible sur les plateformes numériques dès aujourd’hui jonathanroyofficial.com/mylullaby